I MAIALI, Cvlto (2019)

Di moniker particolari e, a dire il vero, poco “spendibili” sul mercato (peraltro comunque asfittico), ne ho visti parecchi negli anni ma I Maiali è tra i più singolari sicuramente. L’entità post hardcore formata da Francesco Foschini (voce), Matteo Grigioni (basso), Daniele Ticconi (chitarra) e Angelo Del Rosso (batteria) punta tutto su un impatto dichiaratamente noisy, un suono greve che trova il giusto supporto di testi che parlano dell’uomo, del suo animo, dei suoi desideri e del suo rapporto con il divino, senza giri di parole, senza mezze misure. Cvlto è il loro esordio, la rabbia come elemento predominante e un nichilismo di fondo che rende il tutto decisamente dark, maligno, tanto che il lavoro potrebbe piacere anche a chi è solito ascoltare musica più estrema. L’incedere malsano di Carne, la nera preghiera di Ave, l’inno sfrenato della title track, l’ipnotica wave di Danza come Manson, sono solo alcuni dei momenti di questo bel debutto, accostabile per attitudine a progetti come Morso, Hate & Merda e The Vasto. (Luigi Cattaneo)

Ave (Video)

NEVICA, Tengo (2019)

Dietro il moniker Nevica si cela Gianluca Lo Presti, musicista ma anche produttore, tecnico del suono e arrangiatore, che con questo Tengo unisce le anime musicali di due suoi progetti, ossia il cantautorato di Nevica su Quattropuntozero e l’elettrorock di Nevica Noise. Ispirato al romanzo 1Q84 di Haruki Murakami e all’attività dello psicologo e musicoterapeuta Mauro Scardovelli, l’album vede Lo Presti diviso tra canto, elettronica, sintetizzatori, piano e basso, coadiuvato ottimamente da Alessandro Antolini alla batteria, Giuseppe Lo Bue alla chitarra, Francesco Cellini al violoncello e Manuela Trombini al violino e alla viola. L’iniziale Il nostro suono è un bel biglietto da visita, impianto rock su cui si instilla una vena elettrodark ricca di pathos, per un brano immediato e che presenta alcuni tòpoi del lavoro. Già la successiva Tina e Swaraj risulta più complessa e strutturata, poetica e visionaria trama wave tra le più interessanti dell’album, mentre Outing parte II è arricchita da un coro di voci bianche guidate dalla maestra Daniela Peroni. Elettronica e darkwave si inseguono anche in Due lucertole, mantenendo alta la tensione del racconto, così come l’inquietudine che avvolge la spirale di Aomame nascosta nell’appartamento, episodio centrale nello sviluppo narrativo di Lo Presti. Il ritmo si alza con la title track, pur mantenendo le caratteristiche di suono emerse sin qui, prima di Animadre con la sua cupa carica elettronica e la conclusiva Ghiliachi, prezioso finale di un disco articolato e da scoprire senza fretta. (Luigi Cattaneo)  

FIRMO, Rehab (2018)

Uscito verso la fine del 2018, Rehab è il primo lavoro di Gianluca Firmo (voce e tastiere), conosciuto soprattutto per il progetto Room Experience, un disco intriso di AOR, melodick rock e ballate delicate. Con una formazione composta da Mattia Tedesco alla chitarra (Candies For Breakfast, Vasco Rossi, Gianluca Grignani), Nicola Iazzi al basso (anche lui Candies For Breakfast ma pure membro degli Hardline), Daniele Valseriati alla batteria (Tragodia) e Davide Barbieri ai cori (Room Experience, Wheels of fire, Raintimes), il risultato finale non poteva che essere brillante, e a questi vanno aggiunti una serie di importanti ospiti che animano diversi momenti del disco. A place for judgement day è il classico brano d’apertura, ottimo per presentare le caratteristiche dell’album, con la sua carica di facili melodie e un azzeccato chorus, con le chitarre di Stefano Zeni (Room Experience, Wheels of fire) e Carlo Poddighe a dare il proprio contributo (ben presenti in più brani del disco). Non che sia da meno il mid-tempo Heart of stone, così come è particolarmente raffinata la ballata Shadows and lights. Più rock e sempre molto immediata Maybe forever, mentre i Bon Jovi di Slippery when wet tracciano la traiettoria di No prisoners. Mario Percudani, chitarrista degli Hungryheart e degli Hardline, Alessandro Moro al sax e Pier Mazzini, tastierista dei Danger Zone, impreziosiscono un’altra romantica ballata, Didn’t wanna care. L’elettricità torna in Unbreakable e nell’ottantiana Don’t dare to call it love, mentre Cowboys once, Cowboys forever è un inno al proprio modo di intendere la vita e la musica e vede il ritorno della chitarra di Percudani. Chiudono il lavoro il coinvolgente singolo Rehab, l’elegante Until forever comes e la lenta Everything (con Andrea Cinelli al piano), ultimo sussulto di un esordio che unisce classe e sognanti melodie. (Luigi Cattaneo)

Album Teaser (Video)

ESSENZA, June 26th (2020)

Lo storico power-trio pugliese degli Essenza lancia un nuovo singolo June 26th, già disponibile su tutte le piattaforme di distribuzione digitale e come videoclip ufficiale su youtube.

Il trio, fondato nel 1993 dai fratelli Carlo Rizzello (chitarre e voci) e Alessandro Rizzello (basso), è dedito ad un metal vigoroso e tecnico, con influenze nel metal classico, nell’hard rock settantiano ma con forti tinte thrash e power metal. Paolo Colazzo, batterista, si è stabilizzato in formazione dal 2003. Agli esordi la band ha pubblicato due album cantati in italiano, prima di virare all’inglese all’inizio degli anni 2000 con gli album Devil’s Breath (2009, BigMud Records) e Blind gods and revolutions (2014, SG Records).

Il nuovo brano è ispirato ad un episodio di cronaca. Il 26 giugno 2019, i corpi senza vita di Oscar e di sua figlia Valeria sono stati ritrovati sulla riva del Rio Grande, riversi nell’acqua melmosa, dopo essere stati travolti dalla corrente mentre cercavano di attraversare il confine tra Messico e Stati Uniti. Nel tentativo di salvarla il padre aveva stretto la figlia a sé, proteggendola nella sua maglietta. È così che li hanno ritrovati. Il giovane di San Salvador, come tanti, era alla disperata ricerca di una vita dignitosa per sé e la sua famiglia.

June 26th racconta la loro storia, immaginando le parole che Oscar avrebbe voluto rivolgere in futuro alla sua bimba, morta a soli 23 mesi.

La copertina del singolo è realizzata da Fabrizio Vetruccio.

June 26th video youtube:

https://youtu.be/5dXq9u7E5Tk

June 26th spotify:

https://open.spotify.com/track/4hiwslyNofTEbeEphJ8axK?si=yNHcnQA3QXC8qCnuy7GROg

Link utili – essenza

Sito ufficiale: www.essenzamanagement.com

Facebook:https://www.facebook.com/essenzamanagement/

Canaleyoutube: https://www.youtube.com/dancerliar

Spotify:https://open.spotify.com/artist/0cGVu4EYwTp0H8kSzHpWz4

DIRAXY, Ode to change (2020)

I Diraxy annunciano il loro nuovo singolo completamente autoprodotto, Ode to Change.

La pubblicazione è prevista per la fine di Febbraio 2020 sulle principali piattaforme digitali.

Ode to Change riprende il tema del cambiamento e del coraggio nel prendere controllo della propria vita, già trattato in passato dalla band con l'album The Great Escape del 2017 (di cui parlammo da queste pagine). Il singolo ricalca le orme dei dischi precedenti, mantenendo lo stile progressive rock/metal e tracciando una forte evoluzione nell’arrangiamento.

Links:

Spotify - https://open.spotify.com/artist/225KeO10giZB0Kkm36Rh1O

iTunes - https://itunes.apple.com/us/artist/diraxy/1088763770

Deezer - https://www.deezer.com/us/artist/9940286

Google Play - https://play.google.com/music/preview/An3ogsbchii35sogx77uufc7gz4

Amazon Music - https://www.amazon.com/s?k=Diraxy&i=digital-music

I Diraxy sono una band progressive di Milano. Il 29 febbraio 2016 esce il loro primo album, un concept autoprodotto dal titolo The Vagrant, ispirato al film Waking Life (USA, 2001).

Il 6 luglio 2017 esce il loro secondo disco, The Great Escape, per Fontana Indie Label.

La musica della band guarda alla recente corrente progressive/rock metal, ispirandosi a gruppi di riferimento quali Porcupine Tree, Tesseract, Haken e molti altri.

Contatti e social:

Facebook - https://www.facebook.com/Diraxy

Instagram - https://www.instagram.com/diraxyband

Twitter - https://twitter.com/diraxy

e-mail: diraxyband@gmail.com

TREEHORN, Golden Lapse (2019)

I Treehorn (Davide Olivero alla batteria, Gianandrea Cravero alla chitarra e Davide Maccagno al basso e alla voce) si formano nel 2005 in provincia di Cuneo, con l’intento di suonare in maniera aggressiva, contorta e complessa, un’avversione verso i tempi pari che diviene il trademark compositivo della band. Il loro è un crossover di post hardcore e noise, accostabile a Shellac, Fugazi, Jesus Lizard Today is the Day, ma anche a gruppi nostrani come Dead Elephant e Dogs for breakfast. L’ep Anime e il full Hearth permettono loro di realizzare tour europei, prima del nuovo Golden Lapse, intriso di pezzi duri come macigni e senza orpelli inutili, diretto e pieno di brani dalla forte carica live. The recall drug è l’inizio che mette subito l’opera sui binari che la contraddistingueranno, tra riff malsani, ritmiche dispari e sottili melodie. L’impatto noisy caratterizza Virgo, not virgin, disturbanti distorsioni animano The same reverse, mentre Onlooker sembra guardare al grunge di fine anni 80, prendendo le mosse dai gruppi più pesanti che caratterizzavano quel movimento. Il martellamento continua con la diabolica Hell and his brothers, con il nuovo tributo grungy di A shining gift e con la devastante carica di Damn plan. Modigliani prima e Coward icons poi, tra cambi di tempo, atmosfere mutevoli e rabbia che diviene pulsione vitale, chiudono un ritorno che conferma la bontà del progetto Treehorn. (Luigi Cattaneo)

Damn Plan (Video)

NOTTURNO CONCERTANTE, Canzoni allo specchio (2012)

Canzoni allo specchio del 2012 è l’ultimo lavoro in studio del Notturno Concertante, gruppo irpino tra gli artefici più significativi del cosiddetto new prog anni ’80. I due fondatori storici, Lucio Lazzaruolo alle chitarra e alle tastiere e Raffaele Villanova alla chitarra, si circondano di musicisti davvero abili ad inserirsi nello spettro sonoro fatto di progressive rock, folk e jazz. Canzoni allo specchio è un album brillante, legato all’aspetto acustico tanto caro alla band, in cui si fondono strumenti come il sax, il clarinetto, il violino, l’accordion, che ampliano le possibilità espressive dei Notturno. Il tutto a favore di una forma canzone melodica che non rinnega l’amore verso il prog e mostra una certa sensibilità e attenzione per arrangiamenti davvero ben curati. Da subito si capisce che la direzione presa con Ahmed l’ambulante è vicina a certo rock dalle increspature etniche, di facile assimilazione ma per nulla scontato. Young man gone west è un suggestivo pezzo strumentale, in cui emerge con forza il lato acustico della band e la capacità di creare raffinati momenti da soundtrack. In Come il vento invece si torna a parlare il linguaggio del rock in maniera diretta, preludio ad un emozionante versione di Le anime belle, che appariva già in The glass tear del 1994, e che qui assume una nuova e potente dimensione grazie ad un cantante come Giuseppe Relmi e all’utilizzo accorato del violino di Carmine Meluccio. Dal medesimo disco viene pescata The price of experience, che risulta ancora fresca e intensa, mentre nella title track la parte del leone è affidata al sax di Carmine Marra, che si produce in un bel solo nella seconda parte del brano, che è anche quella meglio riuscita. La milonga di Milingo è uno strumentale di ispirazione brasiliana piuttosto jazzata di gran gusto, a cui fa seguito Lei vede rosso, una ballata in cui gli inserti strumentali si fanno sopraffini e vellutati. Un applauso sincero ad una band che è riuscita a non guardare in maniera nostalgica il passato e a prodotto un lavoro sentito e personale, in cui i risvolti progressivi vengono amalgamati all’interno delle varie canzoni con quelli etnici, folk, cantautorali e jazz. (Luigi Cattaneo)

Full Album (Video)

RICCARDO ANDREINI & BRAMASOLE, Come polvere (2018)

Non nuovo nell’ambiente underground, Riccardo Andreini è un cantautore e produttore toscano che vanta esperienze musicali sia come membro di band (con gli Zonaeden ha inciso due album), sia come solista (l’omonimo è del 2013). Con i Bramasole (Matteo Zingoni alla batteria, Lorenzo Favuzza al basso e Fabio Regoli alla chitarra e ai synth) Riccardo (voce e chitarra) arriva ora al secondo disco, Come polvere, pubblicato nel 2018 dalla Red Cat Records e intriso di rock, grunge e cantautorato, passioni che da sempre accompagnano il percorso artistico di Andreini. L’iniziale Scorgendo l’equilibrio è perfetta come apertura, con il suo appeal radiofonico che si fonde con vibranti spinte rock, bissata dalla title track, che non disdegna incursioni più marcate nel cantautorato. Puro e vitale rock in Un soffio d’aria, mentre Portano vita è una delicata riflessione sul difficile tema dell’immigrazione. Sogni sporchi torna a battere le strade del rock made in Italy, Primavera ricorda il sound della Seattle grunge novantiana, prima della raffinata Sei, una sentita ballata, una dedica genuina ad un amore perso. Segue un trittico maggiormente carico di elettricità, Brucia odio, L’offerta e Mi chiedo sempre perché, brani che mostrano l’abilità di Riccardo nel saper scrivere pezzi ammalianti ma robusti, richiamando band come Alice in Chains, Nirvana e Puddle of Mudd ma anche le nostrane Litfiba e Negrita. La chiusura è nuovamente cantautorale, con L’aquilone che è l’apprezzabile finale di un lavoro brillante ed estremamente gradevole. (Luigi Cattaneo)

SWÖRN, Swörn (2019)

Nati a Torino nel 2017, gli Swörn sono un trio formato da Michele (chitarra e voce), Mattia (basso e voce) e Ulisse (batteria e voce), che mette insieme deraglianti sfuriate stoner con onirici passaggi psichedelici, contrasti sonori che sono il trademark di questo breve ma convincente esordio. Trenta minuti dove i riff distorti di matrice desert vengono ammorbiditi da sezioni strumentali suggestive, al limite dell’ipnotico, caratteristiche tipiche di un genere ormai standardizzato ma che ancora affascina. Azathoth è l’inizio del viaggio, tra parti aggressive e un crescendo di oscura psichedelia, mentre San Pedro attacca senza scrupoli, con parti heavy massicce e grintose. Il clima muta di nuovo con Electric saint, maggiormente visionaria, prima del riuscito hard di I ask shield e della stoneriana carica dark di Helluland. La conclusiva e coinvolgente Tecumseh è perfetta per chiudere un debutto gradevolissimo, sicuramente un buon punto di partenza per scenari prossimi. (Luigi Cattaneo)

Full Album (Video)

DANIELE MAMMARELLA, Past, present and let's hope (2019)

La prima recensione del nuovo anno è dedicata ad un giovane talento di Pescara, Daniele Mammarella, chitarrista fingerstyle che vanta nel suo curriculum titoli di studio significativi, il lavoro di docente presso APM e Music and Art International Academy e il lavoro di turnista per diverse band, tra cui Iacopo Ligorio & Le Canzoni Giuste. Past, present and let’s hope è il suo primo disco, a dire il vero più un ep per la breve durata (poco più di venti minuti), composto da dieci tracce strumentali piene di tecnica, groove e tiro, cosa che non guasta mai quando si pubblica un album per sola chitarra. Tommy Emmanuel e John Renbourn vengono citati a più riprese tra le note di Destiny o Wild, il blues è omaggiato in Danny’s blues, mentre il Bud Spencer di Altrimenti ci arrabbiamo viene tributato in Dune buggy/Grau grau (di Guido e Maurizio De Angelis). In attesa di qualcosa di più sostanzioso è giusto apprezzare questo primo passo di Daniele, che con intelligenza e passione ha dato vita ad una manciata di canzoni godibili e fresche. (Luigi Cattaneo)

QUADRI PROGRESSIVI, David Bowie

Iniziamo il nuovo anno con un pò di colore, un omaggio a David Bowie (china su foglio 21x30) da parte di Lorena Trapani, collaboratrice ormai storica della rubrica Quadri Progressivi. 
Potete visitare la sua pagina Instagram, dove Lorena mostra le sue creazioni, musicali e non. 

CONCERTI DEL MESE, Gennaio 2020

Venerdì 3
·Malibran a Belpasso (CT)

Sabato 4
·Aldo Tagliapietra a Lugagnano (VR)

Domenica 5
·Aldi Dallo Spazio a Ravenna

Venerdì 10
·Sezione Frenante a Salzano (VE)

Sabato 11
·Real Dream a Milano
·Banco a Chiasso (Svizzera)
·Melting Clock a Genova

Venerdì 17
·Lingalad a Pistoia
·J. True Tale a Lugagnano (VR)
·Malibran a Catania
·The Winstons a Roma
·The Dreaming Music Night a Milano

Sabato 18
·The Winstons a Firenze
·Mad Fellaz a Trebaseleghe (PD)

Domenica 19
·Old Rock City Orchestra a Porano (TR)

Venerdì 24
·The Winstons a Bergamo
·Enten Hitti a Cormano (MI)
·Revelation a Roma

Sabato 25
·Mr. Punch a Trofarello (TO)
·Nursery Rhymes a Marghera (VE)
·Dancing Knights a Roma
·The Winstons a Milano
·Vittorio De Scalzi a Pontestura (AL)
·Tacita Intesa + Disequazione a Trieste
·Antilabé a Treviso

Giovedì 30
·The Aristocrats a Nizza (Francia)

Venerdì 31
·Banco a Roma
·Vittorio De Scalzi a Lugagnano (VR)
·The Winstons a Faenza (RA)
·Methodica a Roma

LIGHTPOLE, Dusk (2018)

I Lightpole sono un quartetto nato nel 2015 e formato da Eug Iommi (voce), Claudio Marcozzi (chitarra e synth), Davide Tossici (moog, tastiere, piano e synth) e Dominguez Marcos (batteria e percussioni), dedito ad una psichedelia elettronica e dai forti contorni dark. Dopo due ep che hanno permesso loro di suonare tra gli altri con Il Teatro degli Orrori e Lili Refrain, è ora la volta del primo full, Dusk, edito dalla sempre attenta Overdub ed uscito nel 2018. Si tratta di un lavoro intrigante, particolare e ricercato nel suo voler combinare stimoli differenti, sempre con una buona dose di raffinatezza, che contraddistingue brani come What you leave back e Wakes, in cui l’utilizzo di strumenti ad arco (viola, violino e violoncello) dona una maggiore corposità all’insieme. Il voler contaminare ingredienti sonori è la base di partenza del progetto, scelta che colora l’ipnotica Samsara, così come Euphelia, due tra i momenti più suggestivi dell’intero debut. Le atmosfere care a certi gruppi del Nord Europa si amalgamano con la corrente dark inglese degli anni ’80, si fondono all’interno di un album notturno, intenso, capace di passare da toni plumbei ad altri maggiormente carichi di vitalità. Vigore e psichedelia si incontrano in The hucksters’ meal e The same old glory, senza dimenticare una certa spinta elettronica e aperture ambient dal sapore minimale, elementi che fanno di Dusk un’opera prima sicuramente interessante. (Luigi Cattaneo)

XAVI REIJA, The Sound of the Earth (2018)

Uscito 1 anno fa, The sound of the earth è l’ultimo lavoro firmato da Xavi Reija, raffinato e trasversale batterista che abbiamo già apprezzato in altre produzioni targate Moonjune Records, tra cui Random Abstract in coppia con Dusan Jevtovic, incredibile chitarrista serbo che qui ritroviamo nella line up, completata dal mostro sacro Tony Levin al basso (Peter Gabriel, King Crimson, Stick Men) e dalla touch guitar di Markus Reuter (Stick Men, Crimson ProjeKCt, Centrozoon). Deep ocean è il muscolare inizio dell’album, capace di traghettarci nelle lande avanguardistiche tipiche di una certa fusion rock  dell’etichetta di New York, fatta di groove, stranianti parti di chitarra e ritmiche intricate. Le quattro parti della title track, centrali nello sviluppo dell’opera con i suoi quasi 50 minuti complessivi, sono l’apice creativo del quartetto, tra spettrali fraseggi ambient, complesse trame strumentali, psichedeliche tensioni, sfuriate progressive venate di dark, Kosmiche Musik di fine ’60 e una creatività che travalica i confini. Sulle ritmiche dispari di From darkness si sviluppa l’egregio interplay tra le due chitarre, Serenity è invece pura atmosfera, capace di abbracciare ispirate melodie, prima di Lovely place, che mostra ancora una volta le varie anime del progetto, con Jevtovic delicato protagonista a cui fa da contraltare il solo di Reuter. La conclusiva Take a walk  è il degno finale di un disco che chi ama certe sonorità, lontane dall’easy listening e vissute quasi come una sfida, vivrà come un’esperienza totalizzante. (Luigi Cattaneo)

Serenity (Video)

STINS, Through nightmares and dreams (2018)

Esordio per i giovani Stins, quintetto formato da Giulio Nencini (voce), Manuele Vuono (chitarra e tastiere), Lorenzo Matteuzzi (chitarra), Andrea Devoti (basso) e Andrea Del Francia (batteria), amanti dell’hard ‘n’ heavy a stelle e strisce, in un continuo gioco di rimandi tra l’esplosione ottantiana e alcune derive più moderne di fine anni ’90. La scelta di un sound piuttosto diretto e immediato appare ben calcolata e Through nightmares and dreams si lascia ascoltare con piacere per tutta la sua durata, con brani come Drowing into you o All I want che mostrano un certo potenziale, in bilico tra spunti melodici interessanti e riff distorti. L’asse tra le due chitarre e il buon supporto della sezione ritmica sono la base di partenza di un lavoro gradevole, con qualche punta estrema rappresentata da Billy goes to school, in cui pare di sentire una delle tante band nu metal e crossover che arrivavano a noi dall’America ad inizio 2000. Non mancano momenti più atmosferici come The chaser e Can’t let go, che mostrano un altro lato della band per niente trascurabile. La Red Cat punta ancora una volta su un gruppo toscano, regalandoci l’ennesima band da tenere d’occhio per il futuro. (Luigi Cattaneo)

Ride my skin (Video)

GRAMMLÒ, What? (2018)

Nati nel 2012, i Grammlò (Massimo Guzzetta alla voce e al flauto, Marco Carboni alla chitarra, Davide Contento alle percussioni, Gabriele Bertossi al basso, Giovanni Sala alla batteria e Tommaso Brillo alle tastiere) si sono fatti subito notare nell’underground milanese per la loro vivacità funky, contraddistinta da un tocco rock coinvolgente che mette insieme James Brown, i Jethro Tull e i Faith No More, influenze che traspaiono in What?, ep d’esordio uscito l'anno scorso. The Bill è l’avvio che mette subito l’ascoltatore sull’attenti, per via di un mood vivace e brioso, Bad day unisce il funky con un andatura rap, un po’ come facevano i Red Hot Chili Peppers fino ad inizio anni ’90, mentre la title track punge con una vena frizzante che conferma l’indirizzo musicale del sestetto. Ci avviciniamo alla conclusione dapprima con il pungente funky rock di Light off e poi con il finale di You know nothing, pezzo trascinante in odore di ‘70. Quindici minuti piacevolissimi, che danno solo un’idea delle qualità della band, ma le premesse per qualcosa di più corposo ci sono tutte. (Luigi Cattaneo)

BENY CONTE, Il ferro e le muse (2018)

Musicologo, docente, compositore, scrittore, Beny Conte con Il ferro e le muse (alcuni brani di esso prendono spunto dal suo omonimo romanzo del 2016) omaggia la musica popolare della Sicilia, senza dimenticare i tanti cantautori che negli anni hanno flirtato con il jazz e la world music, da Sergio Cammariere al Fabrizio De Andrè di Creuza De Mä. In questo concept Conte, che si divide tra chitarra, basso, voce, tammorra e tamburello, viene aiutato da Alessandra De Luca al pianoforte, Giovanni Conte al pianoforte, al bandoneòn e alla fisarmonica, Gianluigi Fiordaliso al violoncello, Xohana Askushai alla viola, Francesco Marranzino al contrabbasso, Claudio Di Bucchianico all’oboe, Roberto Torto al clarinetto, Piero Delle Monache al sax, Andrea Giovannoli alla batteria e Muhssin Pizii alla chitarra e all’oud, un ensemble ampio e variegato in cui è davvero apprezzabile il lavoro di arrangiamento di Conte, elegante e sempre molto curato. Il respiro mediterraneo dell’opera è palpabile sin da subito e brani come Vitti ‘na crozza, la delicata L’isola di Buonagente e Malìa, sono lì a dimostrare le intenzioni espressive del palermitano, che pone una certa attenzione per la realtà sociale della sua terra d’origine. La scelta della lingua siciliana per la quasi totalità dell’opera risulta azzeccata, affascinante nel suo sviluppo sonoro, un tratto distintivo che è identità e recupero della tradizione. (Luigi Cattaneo)

Full Album (Video)

GIORDANO FORLAI, Orso bianco (2018)

Giordano Forlai è un cantautore ligure che vanta una lunga carriera divisa tra band e attività in proprio, esperienze che lo hanno portato nel 2018 a pubblicare Orso Bianco, disco corale a cui hanno preso parte anche Andrea Maddalone (bravissimo chitarrista di La Leggenda New Trolls) e Roberto Tiranti (storica voce dei Labyrinth). La title track iniziale è il bel biglietto da visita, vicina ad alcune cose di Graziano Romani, Pagine mette in luce tutte le doti di Forlai e della sua band, con arrangiamenti raffinati e una cura per il testo davvero encomiabile. L’autore si mette a nudo in Sono qui, firma attimi di elegante pop con Sparami e L’altra parte di te, prima di Il viaggio, profondamente arricchita dal flauto di Edmondo Romano (Eris Pluvia e Ancient Veil, tra gli altri), dalla tromba di Mario Martini, dal trombone di Barbara Sorbara e dal basso tuba di Roberto Savaia. Nero è la delicata e disperata dedica di Giordano ad una persona che non fa più parte della sua vita, Acrobata, scritta insieme ad Aldo De Scalzi (compositore di colonne sonore e tra i fondatori dei Picchio Dal Pozzo), è uno dei momenti più suggestivi dell’intero album. Blu è un’intensa ballata, Che cosa siamo noi vede Tiranti (ai cori sugli altri brani) duettare magnificamente con Forlai, mentre Stare soli mi ha ricordato pagine dei Pooh. Il finale di Marta è una piccola perla, con la tromba di Martini che dona ancora più pathos ad una conclusione davvero emozionante. (Luigi Cattaneo)

Acrobata (Video)

PROMETHEO, D'un fuoco rapito, d'un giovane uomo, d'un amore insensato (2019)

Nati ben 11 anni fa, i Prometheo si sono sin da subito ispirati al mito del titano, celebre per il furto del fuoco agli dei olimpici, e al rock progressivo di Genesis e Banco del Mutuo Soccorso, scegliendo la forma del concept per narrare una storia che si perde nel mito e nella leggenda. D’un fuoco rapito, d’un giovane uomo, d’un amore insensato, realizzato anche grazie al supporto di Puglia Sounds, vede il quintetto formato da Andrea Siano (pianoforte, organo e synth), Andrea Tarquilio (voce), Alessandro Cellamare (batteria), Andrea Maddaloni (basso) e Alessandro Memmi (chitarra), dare vita ad un lavoro dove la preponderante anima prog si fonde con delicati passaggi folk in odore di Fabrizio De Andrè e Angelo Branduardi. Un esordio sicuramente interessante e che non potrà non suscitare curiosità per chi ama certe sonorità vintage, figlie dirette di Yes e P.F.M. Già l’artwork è in qualche modo, per la sua immaginifica vocazione, sinonimo di progressive e il contenuto di pezzi come Una prigione d’aria e Guerra dei Titani sono la dimostrazione dell’assoluto rispetto dei baresi per la grande stagione settantiana. La bravura tecnica della band ben si sposa con la capacità di scrittura e con testi, che visto l’argomento trattato, risultano ridondanti e da leggere con attenzione, la stessa che va posta ad un prodotto che pur non presentando variazioni sul tema risulta encomiabile e affascinante per tutta la sua durata. (Luigi Cattaneo)

Il ratto del fuoco (Official Video)

LA JANARA, Tenebra 2019)

Ritorno di altissimo livello per il quartetto La Janara, alfieri di un heavy cupo, fosco, che trae spunto tanto dall’esoterismo quanto da certe suggestioni magiche tipiche della stregoneria, con risvolti davvero inquietanti e misteriosi. Il fatto di arrivare dall’irpinia ha forse dato ancora maggiore sostanza al progetto, che riesce a unire suggestioni sabbathiane con una vena neofolk che a tratti mi ha ricordato alcuni capitoli dei grandissimi Corde Oblique, una materia plasmata in modo incantevole dal gruppo campano. Raffaela Cangero (voce), Nicola Vitale (chitarra), Rocco Cantelmo (basso) e Antonio Laurano (batteria), sono i cantori di Malevento, una Benevento dove le streghe incontravano il demonio per celebrare il sabba, dove Mater Tenebrarum, la strega primigenia, stringe un patto con Violante, protagonista combattiva di una storia di rabbia e sopravvivenza. Violante aveva un osso di capra è una nera ballata, la titletrack descrive l’affascinante calata verso l’oscuro come solo i maestri Death SS sanno fare, mentre Mephis è un omaggio alla Dea Mefite, guardiana del varco tra il mondo dei vivi e quello dei morti, a cui partecipa anche Alessandro Liccardo, chitarrista degli Hangarvain. Cera raggiunge un’intensità emotiva difficile da descrivere, che prosegue, anche narrativamente, con Il canto dei morti, in cui Violante arriva a profanare la tomba dell’amato in un atto di profonda necrofilia. La ruralità della tradizione contadina dipinge il ricordo di Volano i corvi, Giacomo Leopardi viene citato in Or poserai per sempre, con Violante che dopo il suicidio urla dall’oltretomba il suo dolore, con la band sostenuta dalla voce di Giulian dei black metallers Scuorn (oltre che da un nuovo solo di Liccardo). Ver sacrum è la conclusiva celebrazione (a cui partecipa Alessio Cattaneo degli Onryo al basso), un inno che non fa altro che confermare la grandezza di una band in stato di grazia. Un’ultima nota per la presenza alle tastiere, al piano e alle orchestrazioni di Riccardo Struder degli Stormlord, che dona un’ulteriore aurea ombrosa a tutto l’album. (Luigi Cattaneo) 

Malevento (Video)

PAOLO SIANI, No much regret (singolo 2019)

Disponibile gratuitamente il nuovo brano No Much Regret di Paolo Siani. L'artista mette a disposizione dei propri fan il nuovo componimento che dona vita all'inedito percorso artistico intrapreso.

E' finalmente disponibile in versione completamente gratuita il nuovo brano del tutto inedito di Paolo, ex storico componente della Nuova Idea, che in veste di polistrumentista ha dato vita ad un progetto che evolve il proprio sound, associando al rock progressivo orchestrazioni e alimentando la componente strumentale tanto cara ai gruppi che hanno fatto la storia del settore.

No Much Regret, questo il titolo del brano, ci mostra un Paolo Siani in forma artistica smagliante, che concentra in poco meno di sette minuti l’essenza del nuovo percorso artistico. Il brano è attualmente fruibile su Youtube, associato a immagini, anche in questo caso inedite, che Paolo Siani teneva conservate in un cassetto ed ha

estratto per l’occasione.

Hanno preso parte al progetto Marco Biggi con la MB’ Studio Genoa, Elena Voiello al violino, Alex Siani con il Pitea Studio di Brighton ed infine l’Abbey Road Studios di Londra.

No much regret (Video)

OVUNQUE, C'era una volta ovunque (2018)

Interessante esordio per gli Ovunque, duo formato un paio di anni fa da Federico Gioacchino Uccellani (chitarra) e Jacopo Baldinelli (batteria), che in otto pezzi, roboanti e carichi di elettricità, mette in fila carica rock, incursioni nell’indie e blues psichedelico dal sapore vintage. Devo dire che ho trovato il sound complessivo da subito convincente e l’iniziale Ragno, settantiana nell’animo, mette subito in luce l’alto potenziale della band, tra ritmiche corpose e deraglianti distorsioni. Spigoli fa invece un salto nel rock alternativo dei ’90, con Uccellani che si diverte in sfrenate scorribande chitarristiche, mentre La bestia appare leggermente più moderata ma ugualmente di grande efficacia. La lunga Maledetta riesce ad unire hard e psichedelia, l’inquieta 18 soffi anticipa Un luogo asciutto, episodio vicino ad alcune pagine di Jimi Hendrix. Gnu 2 e Io non porto cappelli blu sono la degna conclusione di un debutto ispirato ed energico per tutta la sua durata. (Luigi Cattaneo)     

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https://ovunque.bandcamp.com/releases

MATA, Archipel{o}gos (2019)

La storia dei Mata è legata ai Nevroshockingiochi, in quanto i tre membri, Alessandro Bracalente (elettronica, chitarra e voce), Mauro Mezzabotta (basso e synth) e Emanuele Sagripanti (batteria e elettronica), provengono proprio da quel progetto sperimentale, votato alla decostruzione sonora, trademark anche di questo Archipel{o}gos. Nati quattro anni fa, hanno all’attivo un ep, Atam, una suite in 4 movimenti che metteva in luce le tante idee del terzetto, che con il nuovo disco hanno trovato forza tramite un suono ancora più aggressivo, un mantra elettronico infernale, un trip viscerale nei meandri oscuri di pensieri che diventano concreti tramite brani come Message no. 11 e M&D. Noise, industrial e un approccio free alla materia caratterizzano un percorso in cui ritroviamo sicuramente i Coil, un’influenza sviluppata giocando molto su una sorta di contrastante tribalismo tra grancasse elettroniche e acustiche. In the pool, The block ma anche la conclusiva Message no. 29, sono un viaggio trasversale nel buio, una incessante e greve ricerca, fatta di soluzioni ardite e disturbanti. (Luigi Cattaneo)

GOODBYE, KINGS, A moon daguerreotype (2019)

Terzo disco in studio per i Goodbye, Kings, band attiva dal 2012 e dedita ad un post rock influenzato da Godspeed You! Black Emperor e Tortoise. Uscito a maggio di quest’anno, A moon daguerreotype è un lavoro strumentale affascinante, che si contraddistingue per l’utilizzo di una strumentazione ampia e differenziata, che dona un interplay capace di sfumature e soluzioni variegate. Davide Romagnoli (chitarre), Matteo Ravelli (batteria e synth), Luca Sguera (piano, tastiere e synth), Riccardo Balzarin (chitarra), Luca Allocca (chitarra), Francesco Panconesi (sax) e Alessandro Mazzieri (basso), hanno un approccio caldo alla materia, firmando quella che somiglia tanto ad una colonna sonora, un film immaginario che omaggia la nascita della fotografia e l’impatto che ha avuto sull’esistenza stessa dell’uomo. La bravura dei milanesi sta nella capacità di evocare situazioni, visioni, complice anche una delicata vena ambient, che si sviluppa in pezzi molto costruiti, pieni di spunti improvvisi e ragguardevoli. Ne sono esempio lampante i 15 minuti della title track, la psichedelica The ancient camera of Mo Zi e l’inquieta Giphantie, pezzi che da soli bastano per distinguere i lombardi nella ricca scena post rock italiana. (Luigi Cattaneo)

Drawing with light (Video)

DION BAYMAN, Better days (2018)

Connubio vincente quello tra Dion Bayman e la nostrana Burning Minds, perché l’AOR dell’australiano si sposa perfettamente con il rooster della specializzata etichetta. Better days, uscito nel 2018, è un lavoro immediato, di grande appeal radiofonico e ne sono esempio splendidi pezzi come Rise and Fall o Ready for the real thing, davvero convincenti. La title track e The best times of my life continuano un percorso netto, fatto di pezzi fruibili e altamente godibili, in cui Bayman, oltre che cantare, si destreggia ottimamente suonando tutti gli strumenti presenti. Tra composizioni che non disdegnano vagiti pop di classe, accoglienti melodie, delicate ballate e chorus magistrali, si sviluppa un ritorno catchy e grande impatto. (Luigi Cattaneo)

Pieces (Video)

I VIAGGI DI MADELEINE, I viaggi di Madeleine (2019)

Chi è Madeleine? Madeleine rappresenta l’anima adolescente che, nonostante tutto il marcio, resiste cercando di rimanere intatta. L’interessante premessa pone l’obbligo di avere una certa attenzione verso questo esordio della band di Lecce I viaggi di Madeleine, terra che non è mai salita agli onori della cronaca progressiva se non per alcune rare eccezioni (possiamo citare i riscoperti Corpo e i contemporanei Abash ad esempio). Francesco Carella (voce, tastiere e basso synth), Giuseppe Cascarano (chitarra) e Giuseppe Quarta (batteria), si incontrano nel 2015 e iniziano da subito a comporre il materiale di questo validissimo esordio, un concentrato di Balletto di Bronzo e Le Orme, che la formazione triangolare suggerisce, ma anche un certo amore per l’hard prog, con fraseggi spesso taglienti e aggressivi. I cinque pezzi presenti sono tutti piuttosto lunghi, stratificati e con le varie influenze del trio che emergono attraverso sviluppi molto coinvolgenti, con l’iniziale Kamaloka che si pone come anello di congiunzione tra il rock settantiano e l’immaginario dei Goblin. Contrappunti d’autunno smorza invece i toni plumbei, attraverso una delicata linea melodica che tradisce un certo romanticismo art prog, mentre Gods of distant worlds è più vicina al progressive rock dei maestri inglesi. Il viaggio ha una vena psichedelica maggiormente accentuata rispetto a quanto sinora ascoltato, prima della conclusiva Mendicante, composizione sontuosa divisa in sette atti che si sviluppa tra prog, psichedelia e jazz rock, forte di scenari sognanti e suggestivi, che traspaiono in toto da un debutto sì derivativo ma capace di esprimere con passione la forza delle idee. (Luigi Cattaneo)

Mendicante (Video)

KAMION, Gain (2019)

Nati nel 2014 da un’idea di Paolo Semenzin (chitarra) e Davide Pattarello (chitarra), i Kamion prendono definitiva forma con l’ingresso in pianta stabile di Edoardo Fusaro (voce), Daniele Breda (batteria) e Enrico Lux (basso). Gain è un esordio a cavallo tra il suono viscerale della Black Label Society e quello di matrice thrash metal dei Machine Head, con l’interplay tra le due chitarre che va a formare un muro di suono incessante, un martellamento di trenta minuti circa che praticamente non conosce cali. Potenza, rabbia e cura per la costruzione di strutture tanto abrasive, quanto efficaci melodicamente, rilevano le ottime capacità del quintetto veneto di bilanciare le componenti, con pezzi come Queen of hate o Jungle che uniscono forza heavy e groove di spessore. Riff distorti, ritmiche decise e una voce sicura del fatto suo sono le certezze di un debutto solido e compatto. (Luigi Cattaneo)

Gain (Full Album)

B-RAIN, Echoes from the undertow (2018)

Uscito nel 2018 per Lizard Records, B-Rain è un progetto di Davide Guidoni (Daal, Taproban, Pensiero Nomade), che ha trovato forma nell’esordio Echoes from the undertow, in bilico tra elettronica, new age e ambient, in cui il compositore si è diviso tra tastiere, percussioni e samplers. L’album è un distillato di visioni, decisamente greve, in cui il paesaggio misterioso ed evocativo posto sull’artwork suggerisce il contenuto del prodotto, una soundtrack ideale della cupa attualità in cui viviamo. Far from the madding crowd è una sorta di introduzione, un inizio piuttosto cinematografico e in parte vicino ad alcune opere di Angelo Badalamenti. Lakeshore è puro sinfonismo elettronico, dal passo oscuro e desolante, complice anche Steve Unruh (The Samurai of Prog) al violino e al flauto di bamboo, invece Overwhelming è molto new age e risulta meno coinvolgente. La title track e The cold time of solitude sembrano uscite da una colonna sonora dei ’70, con la tromba di Luca Pietropaoli (Fonderia) e le tastiere di Alfio Costa (Daal, Prowlers) che contribuiscono al clima notturno e romantico della prima, e la chitarra di Roberto Vitelli (Ellesmere) che dona il suo contributo nella psichedelica malinconia della seconda. La lunga suite di venti minuti, Descending mist (in cui troviamo di nuovo Costa e Vitelli), è la sintesi delle varie influenze di Guidoni, che finisce per citare (più o meno volontariamente) Mike Oldfield, David Sylvian, Brian Eno e in parte Claudio Rocchi di Suoni di frontiera, oltre che il Battiato dei primi lavori. La conclusiva Homeward bound, con Salvo Lazzara (Pensiero Nomade) alla chitarra e all’ehru e Vincenzo Zitello (Pensiero Nomade) alla viola e al violoncello, è la piccola perla finale di un album da assaporare senza nessuna fretta. (Luigi Cattaneo)

Homeward bound (Video)  

ALESSANDRO ALAJMO, Firenze Mare Blues (2019)

Esordio da cantautore per Alessandro Alajmo, dopo l’esperienza come chitarrista degli Underfloor e quella in studio per l’album Biancoinascoltato di Chiara White. Firenze Mare Blues è un lavoro dove il toscano ha raccontato i cambiamenti, gli avvenimenti di una vita, episodi ora più semplici, ora più introspettivi ma sempre narrati con leggerezza e grazia. I pezzi, nati tutti in versione voce e chitarra, sono accompagnati dal basso di Guido Melis (co-produttore insieme ad Alajmo stesso) e dalla batteria di Andrea Del Francia, oltre che da una serie di ospiti presenti su tutto il lavoro. L’astronauta è la delicata apertura del disco, con Giulia Nuti alla viola e Simone Milli al rhodes e all’hammond, che completano un quadretto armonioso e che mi ha ricordato qualche pagina di Fabio Concato. Il rock di Lebowski è contraddistinto dalla chitarra solista di Alessandro Abba, Il geco invece ritrova le tastiere di Milli, un momento fresco e molto gradevole. Un rock cantautorale alla Neil Young vibra in Notturno on the beach, prima della vena agrodolce di Settembre (abbellita nuovamente dalla Nuti) e di L’estate del 2001, poco convincente e piuttosto prevedibile. Meglio il blues venato di r’n’r della titletrack, con la chitarra di Giacomo Ferretti, mentre si tinge di pop Vagamente io e te. Violino e viola (sempre della brava Nuti) caratterizzano la conclusiva L’ora più buia, romantico finale di un album scorrevole e che si lascia ascoltare con piacere. (Luigi Cattaneo)

Il geco (Video)

GARAGEVENTINOVE, Il male banale (2018)

Attivi da quasi trent’anni, i GarageVentiNove sono un quintetto formato da Patty Esse (voce e tastiere), Brian K (voce e tastiere), Ermanno Monterisi (chitarra), Claudio Fusato (basso) e Ciccio Nicolamaria (batteria e tastiere), che riesce con il nuovo Il male banale a fondere la canzone d’autore dal sapore esistenzialista di Andrea Chimenti, la new wave dei primi Litfiba e Underground Life e alcune asprezze dei CSI. Caratteristiche che permeano il disco sin da subito, con l’iniziale Hannah A. che delinea il percorso, seguita dalle sofisticate trame di Labirinti silenti e dalla oscura Guarda un po’ più in là. La new wave di inizio ’80, che una discreta fortuna ebbe anche in Italia, si materializza in Nervo scoperto, prima dei brani in inglese, Down the river, Unwise gods e Ocean, che avrebbero tutte le carte in regola per  essere apprezzate anche all’estero. Pure i restanti brani mostrano la capacità dei lombardi di raccontare, tra visioni cupe e fieri assalti post punk, con la voglia e la passione che ancora contraddistinguono una band in pista dal 1991. (Luigi Cattaneo)

Kali Yuga (Video)