NOVA CASCADE, Above all else (2018)

Above all else è l’esordio dei Nova Cascade, band artefice di un melting pot sonoro a base di ambient, post e progressive, nata nel 2017 e che dopo 18 mesi di lavoro ha deciso di mettere nero su bianco sensazioni e umori comuni. Dave Hilborne (synth e voce), Dave Fick (basso), Alessio Proietti (chitarra e voce), Charlie Bramald (flauto), Heather Leslie (violino) e David Anania dei Blue Man Group (batteria) hanno dato vita ad un disco in cui la componente ambient appare come la parte centrale, quella che collega tutti i fili, con gli elementi elettronici che vanno ad incontrare le melodie fatate e vellutate del flauto e del violino, dove persino i pochi spunti vocali rimangono sottotraccia, non emergono, si fondono con tutti gli strumenti presenti, diventano un sussurro. Si potrebbe chiamare in causa Vangelis ma anche il fondamentale Jean Michel Jarre, soprattutto per alcuni frangenti in odore di New age capaci di essere molto descrittivi, ma non è sbagliato citare i Pink Floyd dell’ultimo The endless river, con quel mood etereo costante per tutto l’album. La grande pecca è la registrazione piuttosto amatoriale, che non aiuta a percepire in modo adeguato tutte le raffinatezze del sestetto, ma è pur vero che l’autoproduzione è un problema comune a tantissimi gruppi emergenti o alle prese con il disco d’esordio, a maggior ragione se si lavora a distanza come nel caso dei Nova Cascade. Above all else è stato concepito come fosse un unico movimento suddiviso in dodici tracce e va ascoltato in silenzio, nella penombra, perché serve una certa predisposizione, solitaria e riflessiva, per beneficiarne appieno e lasciarsi trasportare da questa musica evocativa, con la title track esemplificativa dell’interplay tra le note delicate suonate da Bramald e dalla Leslie e la lievità vocale con cui si muove l’ensemble. Fraseggi che ritroviamo anche in Hurtled e Lo-Fi, mentre Epiphany vede l’inserimento ritmico di Anania e Wilted, con il ritorno di una breve parte vocale, chiude un debut interessante e personale. (Luigi Cattaneo)

 

 

 

DWIKI DHARMAWAN, Rumah Batu (2018)

Abbiamo già parlato del talento di Dwiki Dharmawan in occasione delle due precedenti uscite, So far so close (2015) e il doppio Pasar Klever (2016) e il recente Rumah Batu è la conferma della bravura compositiva del tastierista indonesiano, qui accompagnato dall’istrionico Nguyên Lê (chitarra e soundscapes), dallo spagnolo Carles Benavent (basso), da Yaron Stavi (contrabbasso) e da Asaf Sirkis (batteria). Questo nuovo album è un melting pot di jazz, progressive e world, soprattutto nelle parti vocali nella lingua madre, che rendono il tutto molto particolare e a tratti ostico ma estremamente affascinante (come la lunga Paris Barantai con Sa’at Syah alla voce, impegnato in quasi tutti i pezzi del disco anche al flauto). Dwiki d’altronde è sempre stato un maestro nel proporre una sua personale visione del jazz rock, con trame spesso molto strutturate (la brillante Rintak Rebana) e arrangiamenti fantasiosi, caratteristiche che contraddistinguono anche il nuovo disco e che probabilmente si spinge anche oltre le più recenti visioni personali dell’autore, che sembra guardare con più attenzione al suo paese natio, con la delicata Impenan che pare essere uno dei manifesti di questo suo desiderio. Il mood etnico di certi momenti (il traditional del Bali Janger) appare più marcato rispetto alle precedenti uscite, forte di una visione d’insieme sempre molto libera, spirito che d’altronde anima da sempre anche la Moonjune, ancora a fianco di Dwiki anche per Rumah Batu. Il lavoro di squadra trova nella lunghissima suite centrale di circa ventisei minuti, che dà il nome all’album, la sintesi dell’opera, sia perché nasce da un traditional dell’isola Sulawesi, sia perché è firmata da tutti e cinque i musicisti della band, che si destreggiano tra partiture complesse e decisamente articolate. L’evoluzione di Dharmawan tratteggia anche le conclusive Samarkand e Selamatkan Orang Utan, la prima è un frizzante jazz rock piuttosto coinvolgente, mentre la seconda sposta il tiro nuovamente sul lato etnico della proposta, con la forte presenza di Syah e le Kendang di Ade Rudiana (che a dire il vero ritroviamo in buona parte del disco), che chiudono un ritorno davvero pregevole per il tastierista indonesiano. (Luigi Cattaneo)

HYENA RIDENS, La corsa (2018)

La corsa è il secondo album targato Hyena Ridens, ma è anche il filo conduttore del lavoro, un’idea di concepire l’esistenza che viene insegnata sin da piccoli, un indaffararsi quotidiano che è errore costante e di cui la vita è piena di esempi. I napoletani dopo Cave Canem del 2014 sono diventati un trio (Gennaro Davide alla voce e al basso, Paolo Cotrone alla batteria e Paolo Astarita alle tastiere) e con il nuovo disco elaborano un crossover interessante di post, alternative e progressive, stile che colpisce già dall’iniziale title track, tra i momenti più riusciti dell’album. Fantasmi conferma la bontà della fusione e il nuovo percorso della band, Palomar accentua il lato misterioso e psichedelico della proposta, mentre Falsi approdi mostra un’affascinante vena notturna, in cui un ruolo importante lo svolgono le tastiere di Astarita. Laura è un brano molto particolare, rivestito di un arrangiamento proggy e di un break centrale psichedelico, risulta essere tra le composizioni più peculiari del lavoro, prima dell’hard prog strumentale Un pianoforte nell’abisso e di Il ritorno, altro gradevole momento di La corsa. Ci si avvicina alla conclusione dapprima con la cupa Tradimento, per poi spostarci su territori marcatamente rock con Essere umani e l’ottima cover di Vesuvio (degli E’ Zezi), finale del disco che si avvicina al nuovo corso degli storici Osanna. Bel lavoro per i napoletani, bravi nell’unire malie prog all’interno di una forma canzone personale e libera, sfaccettata ma sempre presente, una costante che va solo ancora lievemente affinata per essere durevole nel tempo. (Luigi Cattaneo)

Fantasmi (Official Video)

https://www.youtube.com/watch?v=9qegXaajIwU 

DEMETRA SINE DIE, Post Glacial Rebound (2018)

Avevamo parlato dei Demetra Sine Die ai tempi dell’ottimo A quiet land of fear del 2012 ed è un piacere ritrovarli a distanza di cinque anni con il nuovissimo Post Glacial Rebound, uscito qualche mese fa grazie alla sempre attenta Third I Rex. Rispetto al recente passato la formazione è diventata un trio (Adriano Magliocco al basso e ai synth, Marcello Fattore alla batteria e Marco Paddeu alla voce, alla chitarra e al Korg) ma l’oscurità che pervadeva il precedente lavoro è ancora qui, si percepisce, avvolge l’ascoltatore, in un crossover di psichedelia, sludge, noise, metal e doom. Le trame di questo come back confermano la predisposizione per strutture articolate, intense, grevi, un mood sulfureo pervade ciò che sembra un viaggio nei meandri dell’inferno, con richiami a band come Blut Aus Nord e Virus, ma sempre con un approccio personale e caratterizzante. Stanislaw lem apre le danze, ed è subito un grande traccia di doom claustrofobico, un trip nero pece, emozionale nella sua decadenza, che fa il paio con la successiva Birds are falling, leggermente più melodica ma non per questo meno dark e soprattutto conferma la sensazione di trovarci dinnanzi ad una band che cerca di differenziarsi in maniera del tutto naturale. Lament evolve al suo interno, con parti recitate lievi che preparano l’ennesima sferzata gravida di cupa psichedelia e lugubre doom, a cui si aggiunge un finale dal sapore black metal, con la voce di Paddeu che riempie l’aria con laceranti growl. Elementi che ritroviamo anche nella lunga Gravity, a cui contribuisce Luca Gregori, voce dei black metallers Darkend, prima di Eternal Transmigration, uno spoken word fortemente ambient che non convince del tutto. Liars torna su livelli più consoni al gruppo, così come la title track conclusiva è l’ennesima esperienza a base di psichedelia progressiva, atmosfera malsana e sfuriate noisy. Chi conosce già la band non si perderà senz’altro questo avvincente ritorno, chi ancora è all’oscuro dell’esistenza dei Demetra Sine Die ha l’obbligo, quasi morale, di iniziare proprio dal nuovo Post Glacial Rebound. (Luigi Cattaneo)

Full Album Video

   

LADY MACISTE, Laut (2018)

Gian Luca (chitarra e voce) e Roberto Parma (batteria) sono il power duo dietro cui si cela la sigla Lady Maciste, progetto nato dalle ceneri degli Akemi e pervaso di stoner, con riff di chitarra saturi, ritmiche salde e una bella dose di “tiro” rock. I due fratelli di Bellaria puntano molto in questo ep sull’impatto, sembra quasi vogliano abbattere qualche ostacolo, spingersi oltre lacerando ciò che trovano dinnanzi e difatti ciò si evince anche dalle parole offerte dai ragazzi riminesi. In tutti i brani rimane costante il desiderio di mantenere viva la tensione, senza mai abbassare la guardia. Volevamo registrare qualcosa da ascoltare tutto d’un fiato, senza momenti di tregua … L’inizio di Laut è affidato a Bruto, ideale per calarci nelle atmosfere power rock del gruppo, perfetti nell’essere diretti e senza fronzoli, per quello che è anche il primo singolo scelto per lanciare il lavoro. Il secondo è Pink, riprova della potenza insita nel duo, che qui dà corpo a sonorità oscure in un climax che ricorda qualcosa del Lanegan solista. Devil is my bride è un altro momento molto compatto, trascinante nel suo mood stoner e nuovamente velato di un’insana cupezza di fondo, che si stempera nella coda strumentale finale carica di elettricità. Ted bundy si tinge di desertica psichedelia, pur senza far venir meno una certa attitudine aggressiva, confermata da Gong e dalla conclusiva Just a kid, che presenta un’inaspettata vicinanza nel finale della traccia con i Radiohead, elemento da non sottovalutare e che potrebbe riservare qualche sorpresa anche nel futuro dei due fratelli. (Luigi Cattaneo)

Bruto (Official Video)

   

WATERSHAPE, Perceptions (2018)

Debutto per i Watershape, quintetto formato da Niccolò Cantele alla voce, Mirko Marchesini alla chitarra (elemento di spicco dei bravissimi Sinatras), Mattia Cingano al basso, Enrico Marchiotto alle tastiere e Francesco Tresca alla batteria (già con gli Hypnotheticall e i Power Quest). Perceptions è un album attraversato dalle influenze progressive della band, vicine sia ai King Crimson, sia alle derive heavy del genere, con richiami a Pain of Salvation, Porcupine Tree e Dream Theater e già l’iniziale Beyond the line of being sembra tracciare le coordinate di questo bell’esordio. Cyber life offre uno sguardo più duro sulla musica della band e potrebbe essere un pezzo adattissimo per l’attività live, mentre Alienation deal si avvicina per intuizione melodica e pathos ad alcune atmosfere dello Steven Wilson solista. Stairs oscilla tra vibranti pulsioni heavy e partiture prog rock, con le tastiere di Marchiotto che stemperano con classe la durezza del pezzo, davvero valido esempio della qualità del gruppo. The puppets gathering è il singolo scelto per presentare il lavoro, un viaggio psichedelico a cui contribuisce anche la voce di Chiara Vecchi, che si amalgama benissimo con quella di Cantele e con il contesto sonoro creato dai vicentini. Inner tide è una crepuscolare e delicata ballata, prima del ritorno a sonorità più rock con Fanciful wonder, altro brano piuttosto interessante e che rimarca l’amore per un certo progressive metal a stelle e strisce. Seasons mostra delle gradevoli trame, tenui e piuttosto morbide, prima dell’efficace finale di Cosmic box #9, intrigante chiusura di un disco che potrebbe incuriosire sia gli amanti del prog metal che quelli più affini a sonorità settantiane. (Luigi Cattaneo)

The puppets gathering (Official Video)

 

AFAR COMBO, Majid (2018)

Il nome del gruppo rimanda all’Africa e alle popolazioni nomadi, ispirazione del quartetto (Mirko Cislino alla tromba, Alan Malusà Magno alla chitarra, Roberto Amadeo al contrabbasso e al basso e Marco D’orlando alla batteria e alle percussioni) per Majid, secondo album intriso di jazz, rock e world, il cui fine lavoro di scrittura della band è il collante per le varie anime del progetto. Rokìa è l’apertura esemplificativa, vivace e brillante traccia in cui Cislino e Magno sono autori di momenti individuali sempre ben sostenuti da una sezione ritmica in grande forma. La breve In fila introduce l’ottima Paesaggio, momento dallo sviluppo drammatico, molto suggestivo nell’approdare ad atmosfere che hanno la forza del saper descrivere, attraverso un lirismo che è sì legato alle radici del jazz ma è contemporaneamente capace di mutare pelle e di sporcarsi con suoni variegati e funzionali al progetto (il rock ma pure il blues). Detto al mare torna su lidi maggiormente esuberanti, oserei dire diretti, soprattutto nell’incedere della tromba di Cislino, seppure non è da meno il solo più rock di Magno. L’oracolo ha invece un mood riflessivo, quasi da soundtrack, un alternanza di approcci affascinanti, seducenti nel loro creare combinazioni e sguardi differenti, un filo sottile che lega anche la title track, uno sguardo lontano verso un continente carico di magnetismo, punto di partenza per sviluppare un discorso che cerca di collocare tradizione e ricerca in un unico catino. Barca a vela è un altro episodio da colonna sonora, quella di qualche film di Pupi Avati, quando la musica e le inquadrature hanno la capacità di descrivere più di mille parole. Ferrage è un motivetto trascinante e giocoso, prima del finale di Bulga Bulga, che sottolinea nuovamente tutte le caratteristiche della band e conclude in maniera convincente un’opera consigliata non solo agli amanti del jazz ma anche a quelli del progressive, che potrebbero trovare in Majid non poche sorprese. (Luigi Cattaneo)

Paesaggio (Video)

 

IVANO FOSSATI, Il grande mare che avremmo traversato (1973)

Ivano Fossati, da sempre inserito nella corrente progressiva più per il suo essere stato il primo cantante dei Delirium, che per reali meriti prog della sua carriera da solista, realizzò, dopo aver abbandonato il gruppo genovese,  Il grande mare che avremmo traversato nel 1973 e Poco prima dell’aurora in coppia con Oscar Prudente l’anno successivo. Ma andiamo con ordine. Il grande mare che avremmo traversato, il primo da solista, è uno di quei lavori che può causare diatribe tra chi lo considera un ottimo punto di partenza e chi lo vede come un disco ancora poco personale. La verità, come spesso accade, potrebbe stare nel mezzo. Perché se è vero che nel complesso appare un po’ acerbo, è anche vero che non mancano momenti affascinanti, degni di nota e sopra la media. D’altronde Fossati prosegue nella direzione precedente al suo esordio, quel Dolce Acqua a nome Delirium che era pregno di prog folk acustico, che qui però viene innervato da forti influenze jazz, soprattutto quello brasiliano di Deodato (la strumentale e lieve Jangada ma anche Canto nuovo), con il flauto, la chitarra classica e il Fender Rhodes assoluti protagonisti, una sezione d’archi di 18 elementi, un ottetto di fiati e l’apporto di Marco Ratti al contrabbasso (elemento di spicco del jazz italiano). Il mare, come dice il titolo, è l’elemento cardine e continuo a cui rivolgersi, non solo quello della sua Genova, ma anche quello del Brasile (ne è un esempio Da Recife a Fortaleza). La title track (divisa in tre parti) e la stupenda All’ultimo amico sono gli attimi in cui emerge proprio di più quel suo passato da poco abbandonato e sono tra i brani migliori della sua iniziale carriera in solitaria. Pur non convincendo nella sua totalità, Il grande mare che avremmo traversato è quindi un album dove affiorano le capacità dell’artista di creare piccoli bozzetti evocativi e malinconici, dove traspaiono le varie anime musicali del compositore, che poi si evolveranno in maniera più organica negli anni a venire, che consacreranno Fossati come uno degli autori più intelligenti del panorama nostrano. (Luigi Cattaneo)

ELISIR D'AMBROSIA, Elisir D'ambrosia (2018)

Conosco Marco Causin da più di vent’anni, da quando ragazzini ci copiavamo le audiocassette per poi discuterne a scuola con l’enfasi tipica degli adolescenti. Già allora Marco suonava la chitarra e da lì a poco formò i Soul Mirror (qualche raro reperto è visibile su YouTube), gruppo che però non arriverà a pubblicare alcun album. Si potrebbe dire che Elisir D’Ambrosia nasce proprio in quegli anni, dalla voglia di comunicare attraverso la musica. Un percorso lungo che ho seguito da vicino e che mi ha portato a conoscere i pezzi del disco prima ancora che fosse ufficialmente pronto qualche mese fa e che vede oltre al chitarrista veneto (nipote di Claudio Causin, che i più curiosi ricorderanno nei Forzanove di Autoanalisi) la partecipazione di Alessio Uliana alle tastiere (membro anche dei Virginian), Riccardo Brun al basso, Andrea Stevanato alla voce e Simone Sossai alla batteria (già con i bravissimi Lamanaif). Ambrosia è il classico inizio progressivo, un ottimo strumentale tra accelerazioni quasi hard e tempi dispari, prima di Cenere, otto minuti che si sviluppano tra parti aggressive, a cui contribuisce il cantato ruvido di Stevanato, frangenti melodici e momenti strumentali di ampio respiro tra prog e psichedelia, una sintesi davvero azzeccata delle anime compositive di Causin. Cardiologia ospita Riccardo Scivales (tastiere) e Paolo Ongaro (percussioni e fischietto) dei Quanah Parker, altra grande band del veneto, e se la prima sezione ha accenni cantautorali con parti anche recitate, la seconda sembra omaggiare in maniera convincente Elegant Gipsy di Al Di Meola. Dimensione deserto e Libero di volare nel vento formano una sorta di suite in cui si evincono tutti gli elementi cardine del progetto, tra spoken word, cura essenziale per l’aspetto testuale, tappeti tastieristici, hard prog, fughe strumentali e una vocalità aspra, non sempre a fuoco ma dotata di un timbro particolare e che ben si lega con la struttura dei brani. Piano piano è una ballata cantautorale, malinconica e di spessore, nelle intenzioni fa il paio con Luna, pezzo però che non mi ha convinto del tutto e che risulta essere il meno riuscito di questo esordio. Inoltre Stevanato sembra essere più a suo agio in trame come la successiva Tenebra, un dark prog di cui ha curato anche l’interessante testo e che chiude egregiamente un esordio che mostra una band dotata di intuizioni e ottime doti tecniche, al servizio di una scrittura trasversale che sottolinea il background variegato di Causin e dei suoi compagni di avventura. (Luigi Cattaneo)

Cardiologia (Video)

     

ORPHAN SKIN DISEASES, Dreamy Reflections (2018)

Debutto per gli Orphan Skin Diseases, band formata nel 2015 da Massimiliano Becagli, batterista già in forza nei No Remorse e completata da Gabriele Di Caro (voce ex Sabotage e Outlaw), Juri Costantino (basso ex Creation) e David Bongianni (chitarrista passato dai Virya e dai Little CB). Lo stile è un crossover di metal, hard rock, alternative e grunge, tutte influenze che riescono a stare bene insieme, bilanciate da musicisti di esperienza e capaci di creare brani che coniugano potenza e melodia, in un crescendo di soluzioni catchy ben sviluppate e soprattutto non scontate. Dreamy reflections, uscito per LogiciLLogic Records, è la conferma di come sia vitale l’underground italico, sempre poco celebrato ma artefice di prove di spessore come questa, un racconto di settanta minuti che parte da subito fortissimo con la potente Into a sick mind, perfetta per aprire l’album e magari anche i live del quartetto. Punte progressive colorano la malinconica The storm e la suite conclusiva Just one more day, divisa in tre parti e tra i momenti più coinvolgenti dell’album, mentre puro e semplice hard rock è Awake. As a butterfly grub è un energico alternative rock, prima di Sorrow & Chain, vigorosa song di matrice heavy e di Waves, che presenta qualche notevole trama thrash metal, soprattutto nei riff strutturati da Bongianni e nelle ritmiche decise della coppia Costantino-Becagli, davvero pregevoli nel far comprendere come i toscani abbiano parecchie cartucce da sparare, per quello che è un esordio interessante e che meriterebbe di essere apprezzato senza essere relegato nel folto sottobosco delle piccole produzioni. (Luigi Cattaneo)

Official Album Trailer

 

CONCERTI DEL MESE, Dicembre 2018

Sabato 1
·Kaprekar's Constant al Giardino di Lugagnano (VR)
·Forza Elettro Motrice a Milano
·A.Tagliapietra + Saint Just a Afragola (NA)
·L’Ira del Baccano a Roma
·Dancing Knights a Roma
·Arca Progjet a Torino
·Rinunci a Satana? al Bloom di Mezzago (MB)

Martedì 4
·The Forty Days a Empoli (FI)
·Massimo Giuntoli a Milano

Giovedì 6
·Osanna + Annie Barbazza ad Afragola (NA)

Venerdì 7
·Osanna ad Albanella (SA)
·Gabriel Knights a Roma
·Barock Project a Roma

Sabato 8
·Napoli Centrale a Castelfranci (AV)
·Labirinto di Alice a Montebelluna (TV)

Mercoledì 12
·Ian Anderson a Bologna
·Massimo Giuntoli a Settimo Milanese (MI)
·The Winstons a Foligno (PG)

Giovedì 13
·Ian Anderson a Reggio Emilia
·The Winstons a Roma

Venerdì 14
·Lingalad a Sovere (BG)
·Of New Trolls a Napoli

Sabato 15
·Asia Minor a Milano
·Acqua Fragile a Lugagnano (VR)
·Sona et Labora a Popiglio (PT)
·Liberae Phonocratia a Milano
·Goblin + Balletto di Bronzo a Afragola (NA)
·Ozone Park a Cagliari

Mercoledì 19 ·The Winstons a Milano Venerdì 21 ·Twinscapes a Lugagnano (VR) ·Marble House a Bologna ·Delirium IPG a Faenza (RA) ·OAK a Roma ·PFM a Castellana Grotte (BA) ·Arturo Stàlteri a Brindisi ·Höstsonaten a Chiavari (GE) Sabato 22 ·Aldo Tagliapietra a Lugagnano (VR) ·Frank Sinutre a Cesena Lunedì 24 ·Frank Sinutre a Lonigo (VI) Giovedì 27 ·Mezz Gacano a Palermo Venerdì 28 ·Napoli Centrale a S. Ambrogio (TO) Lunedì 31 ·Of New Trolls a Porto Ercole (GR)

 

CLAUDIO FASOLI, Bodies (1990)

Tempo di ristampe per Claudio Fasoli, che grazie al lavoro dell’Azzurra Music riporta a galla un album del 1990, Bodies, registrato in quartetto con l’ausilio di Mick Goodrick alla chitarra, Palle Danielsson al contrabbasso e Tony Oxley alla batteria. Otto brani segnati da un accorato interplay tra il sax del leader e il sottovalutato chitarrista, sospinto dall’estro di Goodrick e dal tocco delicato ma deciso del suo compagno ritmico, musicisti d’oltreoceano che rimarcavano la volontà di Fasoli di allargare il raggio d’azione, sospinto anche dalla New Sound Planet, l’etichetta con cui incise quasi 30 anni fa il disco. Proprio la scelta di Goodrick appare determinante nella buona riuscita del prodotto e sono le parole stesse di Claudio a confermarlo. Sapevo che la scelta di invitare Tony avrebbe comportato uno sviluppo della musica in un senso assai diverso da quello che avevo in mente all’inizio. Ma, oltre a incuriosirmi molto, mi attraeva il suo modo spettacolare di essere imprevedibile … (dal libro Inner sounds, nell’orbita del jazz e della musica libera. Agenzia x, 2016).

 

In effetti il batterista appare elemento originale e con elementi swing, capace di districarsi nella costruzione disciplinata di Bodies e ne sono esempio brani come Navel, sperimentale e minimale, con tanto di chitarra synth suonata ottimamente da Goodrick o l’iniziale Legs, armoniosa introduzione e tra le migliori del disco. Buonissimi gli spunti di Palle e di Mick in Belly, pezzo di valore all’interno di un quadro generale sempre di livello, confermato dalla creatività senza catene di Neck. Perché non c’è solo Fasoli a fare la voce grossa, ma un quartetto dinamico, costruito egregiamente e che rappresentava in quel momento una delle migliori prove espressive dell’ex Perigeo. (Luigi Cattaneo)

Legs (Video)

 

CARMELO CALTAGIRONE, The Iron Man (2014)

The Iron Man è il primo lavoro del chitarrista Carmelo Caltagirone, registrato in piena autonomia nel 2014 e rimasterizzato oggi insieme ai due lavori successivi. Le ritmiche, ridotte all’osso, non aiutano le composizioni ad emergere come dovrebbero e l’attitudine sperimentale di questo esordio finisce per non convincere mai del tutto, seppure idee melodiche e spunti da cui partire siano anche presenti. L’autoproduzione fa il resto, soffocando in parte le intuizioni del giovane artista, che comunque quattro anni fa appariva ancora piuttosto acerbo nel songwriting e poco fluido nelle esecuzioni, con brani che, sì scorrono via piacevolmente, ma appaiono bisognosi di una maggiore cura per decollare davvero. Le cose migliori sono i riff del siciliano, che forse calati in un contesto di gruppo e con arrangiamenti ad hoc, elemento troppo trascurato in questa sede, potrebbero esaltarsi e non rimanere affossati dalle divagazioni di Carmelo, che, è bene dirlo, probabilmente non puntava molto sulla scrittura quanto più su una forma libera, un flusso dove al centro della scena c’è solo lui con la sua chitarra. (Luigi Cattaneo) 

The Iron Man (Video) 

 


  

LADY REAPER, Mise en abyme (2018)

Secondo album per i Lady Reaper (Simone Calderoni alla voce, Federico Arzeni alla chitarra, Stefano Coggiatti alla chitarra e alle tastiere, Gabriele Grippa al basso, alla chitarra e alle tastiere, Berardo Di Mattia alla batteria), figlio della loro passione per l’heavy classico, quello dei Black Sabbath e degli Iron Maiden, reso però con personalità ed una certa poliedricità, tanto che non è difficile scovare trame progressive tra le pieghe di Mise en abyme. La tanta carne al fuoco che invade l’album trova nella Valery Records l’etichetta ideale per esprimere con eclettismo la propria visione musicale, che partendo da un background hard finisce per sfumarsi in sezioni poliedriche, regalandoci momenti di pura tensione drammatica, profonda e tenebrosa. L’intro iniziale funge da apripista per The eternal carnival, dove la componente metal diviene predominante e lascia trasparire nel break centrale le doti tecniche in possesso dei romani. Abracadabra, breve e oscura, ci porta alla seguente Another me, pezzo coinvolgente e stilisticamente perfetto. Fragments si sviluppa come una malinconica ballata elettrica, sei minuti abbelliti anche dalla voce di Hekàtè dei W.H.I.P., prima di Buried in my dreams, brillante esempio di heavy dai contorni progressivi, irrobustito dalla presenza di Valerio Cascone, frontman dei bravissimi Ozaena. Stops the mops torna su territori più canonici, mentre Mr Nick : Diabolical Bets è la sintesi del percorso dei romani, una suite in tre parti con tanto di gran finale, crossover di metal, prog, teatralità e grandeur epico, in cui risuona forte la tromba di Davide Simoncini, altro ospite dell’album. Chiude il lavoro la potente Headless ride, vicina ad alcuni episodi dei Death SS e un outro strumentale dal sapore sinfonico che mi ha invece ricordato l’approccio alla materia dei seminali Savatage. Come back di ottimo livello, assolutamente consigliato a tutti i fan dell’heavy e anche ai progsters dalla mentalità più aperta. (Luigi Cattaneo)

Mr Nick : Diabolical Bets (Video)

https://www.youtube.com/watch?v=wGB0r8e3rxw

 

 

 

 

PEAKS, Peaks (2017)

Il primo lavoro in studio del progetto Peaks (Lorenzo Canella alla chitarra e ai synth, Cisko Foreen alla batteria, GG Rock ai synth) è un breve ep (poco meno di 15 minuti) che si sviluppa sull’interplay tra fraseggi acustici e le oblique melodie dettate dai sintetizzatori, un disco delicato e dalle forti atmosfere cinematografiche. Ovviamente la brevità del prodotto lascia solo trapelare gli sviluppi futuri del trio e non è dato sapere se questa uscita, legata ad una rivista pubblicata dalla loro etichetta, la Jetlow Recordings, sia in realtà una boutade momentanea o qualcosa di più concreto. Ciò che è certo è che GG (Parker Barrow, mente proprio della Jetlow e membro dei validi The Wankerss) lascia da parte il rock e si cimenta insieme ai suoi compagni di avventura in un breve e tenue racconto, fatto di chitarre arpeggiate e synth che strizzano l’occhio anche a Mogwai e Sigur Ròs, un piccolo e gradevole viaggio che meriterebbe un passo successivo, magari più corposo e strutturato. (Luigi Cattaneo)

The fall (Official Video)

 

ARMONITE, And the stars above (2018)

Gli Armonite sono un duo formato da Jacopo Bigi (violino) e Paolo Fosso (piano, tastiere e composizione) e il nuovo And the stars above (seguito di The sun is new each day, disco che fu prodotto da Paul Reeve, già al lavoro con i Muse) vede la partecipazione di una serie di ospiti tra cui Colin Edwin (conosciuto per la sua militanza nei Porcupine Tree), Giacomo Lampugnani e Alberto Fiorani al basso, Corrado Bertonazzi, Emiliano Cava e l’olandese Jasper Barendregt alla batteria. La proposta, quasi interamente strumentale, vive sull’interplay tra i due factotum della band, una musica capace di suggerire immagini, filmica nel suo avanzare tra delicati momenti corali, frazioni classicheggianti e umori progressive, una scrittura che tradisce l’amore di Fosso per le soundtrack e che fa il paio con la distribuzione firmata dalla Cleopatra Records, etichetta di Los Angeles. Gli Armonite, partendo da questi presupposti, scandiscono la loro visione sonora districandosi in un melting pot interessante e soprattutto sempre a fuoco (basti ascoltare l’ottima District Red, con il violoncello di Marcello Rosa, la spumeggiante What’s the Rush o l’entusiasmante Blue Curacao), anche nei pochi momenti cantati, tra cui spiccano The march of the stars e Clouds collide, entrambe con la particolare voce di Maria Chiara Montagnari. Da segnalare anche due bonus track conclusive, la raffinata A playful day, scolpita magnificamente da un quartetto d’archi e l’elegante piano solo di The fire dancer. (Luigi Cattaneo)

Blue Curacao (Video)

 https://www.youtube.com/watch?v=dlwZkQmyps0

ALDI DALLO SPAZIO, Quasar (2018)

Nati nel 2015, gli Aldi (Awesome Lysergic Dream Innovation) dallo Spazio, sono un quintetto formato da Dario Federici (voce e tastiere), Davide Mosca (chitarra), Simone Sgarzi (chitarra), Marco Braschi (basso) e Lorenzo Guardigli (batteria). Un monicker così particolare offre da subito l’idea di trovarci al cospetto di un progetto che guarda alla psichedelia e Quasar effettivamente non tradisce le attese, irrorando però la materia con forti punte progressive, in un connubio riuscito tra Pink Floyd e vecchio progressive. Non si fatica a essere coinvolti dalla passione che emerge dai cinque brani di questa autoproduzione, tutti ricchi di spunti interessanti e ottime trovate, tanto che si finisce per rammaricarsi di una produzione che poteva esaltare maggiormente le dinamiche create dai ravennati. La partenza di Long time lover chiarisce subito la direzione dell’album, con un attacco che ricorda la freschezza della P.F.M. e si sviluppa in territori marcatamente rock, con un chorus immediato che si stampa in testa con facilità. Davvero un buonissimo inizio, introduzione alla prima suite che incontriamo, The distance, che si divide tra temi al limite del kraut, dark prog, e psichedelia, un crogiuolo di emozioni e liricità davvero notevoli per una band all’esordio. Little Piggy Will è un affresco di fine anni ’60, Santana (a freedom song) mi ha ricordato il mood dei grandi Iron Butterfly, mentre la conclusiva suite Epiphany, tra echi space rock, svisate folk, psichedelia e marcati accenni al prog settantiano, chiude un disco intenso e meritevole di attenzione da parte del pubblico più devoto a certe sonorità. (Luigi Cattaneo)

Long Time Lover (Video)

  

IL SENTIERO DI TAUS, Macrocosmosi (2018)

Come back per Il Sentiero di Taus, progetto conosciuto dagli amanti del progressive rock per La grande perla del 2013 e che dopo cinque anni di attesa arriva alla pubblicazione del nuovo e ambizioso Macrocosmosi, edito da Lizard Records sotto la supervisione di Fabio Zuffanti. Prog che guarda ai settanta, col tema religioso che rimanda ai lavori di Rovescio della Medaglia, Latte e Miele, J.E.T., ma anche ai Genfuoco di Dentro l’invisibile, con incursioni in territori hard che sottolineano i momenti più concitati di questo concept sulla genesi del macrocosmo, un racconto sulla metamorfosi dell’uomo a divinità e i segreti della setta curda mesopotamica Yazidi. Gennaro Lucio Zinzi (voce, chitarra, flauto e tastiere), Tiziano Taccini (chitarra), Jesus (basso) e Claudio Buonfiglio (batteria), dividono il disco come un’opera rock, con tutto quello che ne consegue a livello di scrittura e impulsi. Il tema mistico-religioso non facilità la scorrevolezza del prodotto ma un discreto dinamismo e alcuni ottimi momenti (Era moderna, Al Jilwah) innalzano la qualità media, conquistando ascolto dopo ascolto, tra brevi distorsioni, ritmiche dispari e vellutati passaggi flautistici. L’aspetto melodrammatico viene incanalato in un contesto tipicamente vintage, dai suoni al cantato, con l’eccezione di alcuni fraseggi più vicini al metal, aspetto interessante, seppur non di certo nuovo, che amplia la zona di movimento del quartetto. La cura per l’aspetto testuale del racconto (aspetto complesso per l’argomento affrontato) mostra la voglia di non fallire dei lombardi, a cui va aggiunta l’attenzione per l’aspetto melodico della narrazione, un romanticismo progressivo contraltare di alcuni momenti più hard, trademark di un disco evocativo, passaggio importante per ulteriori sviluppi futuri su cui continuare a lavorare con costanza e impegno per crescere ulteriormente. (Luigi Cattaneo)

Era moderna (Video)

 

DESOUNDER, Desounder (2018)

Nati cinque anni fa come Rider’s Bone da un’idea di Martino Pighi (batteria) ed Eleonora Nory Mantovani (voce), la formazione, dopo i consueti cambi di line up, si stabilizza con l’arrivo di Nicolò La Torre (chitarra) e Matteo Valle (batteria), un quartetto che trova il proprio punto di forza nell’impatto live e che con il monicker Desounder affronta la prima prova in studio (dopo aver firmato per la veronese Andromeda Relix). Rock contemporaneo capace anche di guardare ai classici, senza fronzoli ma con qualità tecnica, melodico e aperto all’inserimento di pulsioni blues e black, come suggeriscono i concerti di spalla a Mike Terrana, all’indimenticato Rudy Rotta, a JC Cinel e agli stralunati The Mentalettes. L’iniziale Man from the moon è perfetta per introdurci nell’universo del quartetto, con il suo andamento serrato e la voce della Mantovani in primo piano. Dear John presenta una raffinata sezione fiati, che aggiunge groove alla proposta, Pain torna su territori maggiormente rock, mostrando aggressività e una giusta dose di irruenza, complice anche la partecipazione di Alessandro Zara della prog band Il Rumore Bianco, ospite che ritroviamo anche in I take my time, una ballata elettrica che mette in mostra anche un’altra veste della compagine veneta. Prisoner è un altro momento vibrante e dal cuore rock, mentre un introduzione blues apre le porte di King of nothing, che poi si sviluppa tra riff hard e un chorus accattivante. The void of absence accentua il lato drammatico della proposta, con Zara e la Mantovani autori di una prova convincente e molto sentita, che punta sull’aspetto emotivo di una delle tracce più riuscite dell’intero lavoro. Save our souls mostra l’innata capacità della band di creare soluzioni che abbinano con efficacia impatto e grandi aperture melodiche, un trademark che accompagna per intero questo esordio e che non fa difetto nemmeno nella conclusiva You fall again, epitaffio di un disco coinvolgente e pieno di sana passione. (Luigi Cattaneo)

Official Album Teaser

 

LAVIÁNTICA, The experience (2018)

The experience è il secondo album dei Laviàntica, band romana nata sul finire degli ’80 come Alterego, sulla scia di gruppi come Marillion, Twelfth Night, Ezra Winston e Leviathan. Dopo Clessidra del 2013 (di cui avevamo parlato su queste pagine) ha deciso di dare una svolta al proprio sound, ora interamente strumentale, sinfonico e suonato con bravura da Daniele Sorrenti (flauto, minimoog e vibrafono, già con gli storici Semiramis), Luciano Stendardi (piano e tastiere), Paolo Musolino (tastiere e chitarra acustica), Marco Palma (chitarra), Paolo Perilli (basso) e Marco Rovinelli (batteria). Il concept racconta in musica l’esperienza di Galbat, un essere immaginario proveniente da uno spazio immateriale, che decide di esplorare il nostro mondo fisico, a lui ignoto (l’intera storia è descritta con efficacia nel booklet). Ovviamente narrare senza l’ausilio testuale prevede la grande capacità di saper comunicare, di trasportare in un mondo immaginifico dove le note suggeriscono emozioni, un filo narrativo non semplice da gestire che rende la prova del sestetto ancora più meritevole di sostegno. I primi due pezzi sono la sintesi dei nuovi Laviàntica, The journey e Breathing flower riassumono in venti minuti complessivi sfumature settantiane, delicati interventi flautistici e raffinate tastiere, tra Camel, prog classicheggiante e romanticismo, strutture tenui pur nella loro complessità, a cui si aggiungono le note di Fabrizia Pandimiglio al violoncello nella seconda composizione. Closer si assesta su buoni livelli, tra parti lievi e robuste intrusioni dei sintetizzatori, a cui fa eco Artificial thought, pezzi che confermano le doti di scrittura e le migliorie sostanziali rispetto al recente passato. La soave e impalpabile The wait introduce Traveler, ottima conclusione di un come back che mostra il salto di qualità avvenuto in questi cinque anni dai capitolini. (Luigi Cattaneo).

 

The Journey (Video)

 

 https://www.youtube.com/watch?v=cM5K1CUen5Y

SIRJOE PROJECT, Letze Baum (2018)

Dietro il monicker SirJoe Project si cela Sergio Casamassima, noto per la sua lunga  militanza nei bravissimi Presence, con cui ha realizzato svariati lavori sin dalla fine degli anni ’80 (l’ultimo in ordine temporale è Master and following del 2017). Letze Baum è il suo primo da solista, registrato in piena autonomia e con l’aiuto dei soli Alessandro Granato per quel che riguarda le parti vocali e Mario Mutti per i testi, nasce da un concetto ambientalista spesso attribuito ad un capo indiano, ossia come l’avidità del genere umano stia portando alla distruzione del pianeta e dell’uomo stesso. Il progressive rimane l’approdo sicuro di Massimo, che instilla parti elettroniche (una delle sue passioni), bordate heavy, passaggi delicati e lievi tocchi di natura etnica, dettati soprattutto dall’utilizzo di voci campionate, che donano alla struttura, in alcuni punti, una straniante aurea world. La curiosità di Casamassima è basilare per la riuscita di un album che non dimentica il dark prog del gruppo di origine, accostabile per intensità e tratti inquieti, lungo 70 minuti che conquistano anche per aspetti melodici curati che rendono il complesso godibile, avvincono all’interno di un percorso strutturato e con ampi sviluppi. Il napoletano mostra tutte le sue doti in brani fantasiosi come Deadly waltz, I need time o la lunga strumentale Anyway (forse la perla del disco) ma è l’opera nella sua interezza a convincere e a ripresentare Casamassima ancora una volta su ottimi livelli di scrittura ed estro compositivo. (Luigi Cattaneo)

Album Trailer (Video)

 

ITALIAN POST ROCK MOVEMENT FEST

Tutti gli appassionati di Post-rock sono invitati a Trieste il 16 e 17 novembre per vedere live, sul palco del Loft di Trieste, i The Chasing Monster che presenteranno il debut Tales, i Löve, progetto solista di Micaela Carlotta Amore, gli interessanti EUF, il duo Aria Motifs, i Winter Dust freschi del nuovissimo Sense by erosion, i suggestivi Il Giardino degli Specchi di Oltremare, i Red Light Skyscraper di cui ci siamo occupati proprio da queste pagine per il buonissimo Still the echo e gli ottimi Quiet is the new Loud

Inizio concerti: ore 21:00, entrata gratuita

Nella playlist "Italian Post-rock" ( https://spoti.fi/2Jawya3 ) troverai i lavori delle band che parteciperanno al festival

MARIA ELENA CRISTIANO, Me and the Devil (2018)

 

 Me and the Devil trae spunto dalla leggenda che aleggia attorno alla figura di uno dei padri del blues, Robert Johnson, divenuto improvvisamente celebre nella prima metà degli anni Trenta. Il grande chitarrista amava raccontare ai suoi colleghi musicisti di aver ottenuto il dono di suonare così mirabilmente la sua fedele sei corde, grazie a un patto stretto con il Maligno. Il romanzo si ispira a questa macabra storia, per porre un interrogativo diverso: se non fosse l’uomo a proporre al Diavolo la sua anima in cambio di fama, successo e denaro, ma fosse Satana a invaghirsi dell’anima di un mortale, cosa accadrebbe?  La trama si svolge fra il Mississippi della fine degli anni ‘30 e le assolate spiagge della California della metà degli anni ‘80. I protagonisti sono quattro musicisti rock di Van Nuys, sobborgo industriale di Los Angeles, alle prese con la difficile e tortuosa ricerca del successo, con il fantasma di Robert Johnson e con Satana in carne e corna. Il carismatico leader della band, un italo americano dalle belle speranze infrante, coinvolgerà, suo malgrado, i suoi compagni di avventure, sbornie e divertimento, in una giostra infernale dove lecito e illecito, bene e male, sesso e amore, si confonderanno in un turbinio di soldi, successo, fama e vizio. La vita dei quattro cavalieri del rock, divenuti improvvisamente idoli dello show business, sarà distrutta e ricostruita dall’oscuro signore che manovra le menti, i pensieri e i cuori dei membri della band …

Maria Elena Cristiano nasce a Roma, dove ancora risiede. Laureata in Medicina, è direttrice di un'agenzia di servizi letterari, il Babylon Café. Ha all'attivo due romanzi: L'isola delle bambole (Europa Edizioni, febbraio 2016) e Immortali (Kimerik, gennaio 2012).

Di seguito il link per acquistare Me and the Devil https://www.amazon.it/Devil-Odissea-Digital-Maria-Cristiano-ebook/dp/B073C9SKSM/ref=tmm_kin_swatch_0?_encoding=UTF8&qid=&sr&fbclid=IwAR0v9XqgSJrgaohZwvTkoWS5Yy5HheCuKGpqEdvIv-BYB55OF7NwWz3zmJI

CONCERTI DEL MESE, Novembre 2018

Venerdì 2
·Napoli Centrale a Brescia
·Il Segno Del Comando a Genova

Sabato 3
·Pavlov's Dog al Giardino di Lugagnano (VR)
·Napoli Centrale a Milano
·Marygold a Pastrengo (VR)
·Wandering Vagrant a Subbiano (AR)

Domenica 4
·La Zuccheria ore 17 a Lainate (MI)

Sabato 10
·Coscienza Di Zeno alla Casa di Alex di Milano
·La Bottega del Tempo a Vapore ad Acerra (NA)

 Venerdì 16
·Osanna a Milano

Sabato 17
·Osanna al Giardino di Lugagnano (VR)
·Riccardo Zappa a Romano d'Ezzelino (VI)
·Andromeda Relix Fest a Pastrengo (VR)

Domenica 18
·Sonata Island Quartet alle 17 a Lainate (MI)

Venerdì 23
·Le Orme + The Trip a Torino

Sabato 24
·Between The Buried And Me + Tesseract a Parma
·The Coastliners a Lido di Ostia (Roma)
·Kingcrow a Roma
·The Forty Days a Zero Branco (TV)
·Prog61 ad Asciano Pisano (PI)

Domenica 25
·Syndone a Torino
·Gus G al Legend di Milano

Venerdì 30
·North Sea Radio Orchestra a Piacenza

ARCA PROGJET, Arca Progjet (2018)

Debutto assoluto per i piemontesi Arca Progjet, nati da un’idea di Alex Jorio (batteria e tastiere, membro degli Elektradrive) e Greg Verdun (basso, chitarra, tastiere), si completano con l’ingresso in formazione di Sergio Toya (voce), Carlo Maccaferri (chitarre) e Filippo Dagasso (tastiere). Il disco, uscito sotto l’egida della Jolly Roger Records, è un melting pot di prog, hard e A.O.R., una sintesi del percorso partito nei lontani anni ’80, quando gli Elektradrive pubblicavano album importantissimi per la scena rock italiana, con uno sguardo al progressive storico e ad alcuni album della P.F.M., in particolare Serendipity del 2000, con il quale condivide alcune scelte stilistiche. Le parole di Alex spiegano il senso di questo suo personale ritorno … Dopo anni bellissimi di musica condivisa insieme a Greg è giunto il momento di regalarci questo album. Il nostro percorso musicale è molto simile ed è sempre stato guidato dalla volontà e dalla presunzione giovanile di realizzare la nostra musica, sin dagli esordi ai tempi del liceo. Un paio di brani contenuti sono frutto di quegli anni e grazie al riascolto delle vecchie cassette abbiamo avuto modo di ricostruirli riarrangiandoli, senza però alterare il sapore compositivo originale. Risalgono al 1993 le mie prime idee sul logo e sul nome ARCA che mi tormentava e la convinzione che, prima o poi, l’avrei utilizzato. Come l’Arca di Noè capace di traghettare uomini e specie animali alla ricerca di un approdo dove ricominciare, la nostra Arcanave ricerca un nuovo pianeta solcando gli spazi con il suo cargo di musica. Ed infatti il brano Arca è stato il propulsore per tutto il progjetto. E’ stato facile coinvolgere Greg a contribuire con le sue composizioni, posso dire che era fisiologicamente pronto come del resto anche io! Il lavoro risulta sin da subito piuttosto interessante, con l’opener Arca (dedicata alla memoria di John Wetton) ancor più luminosa grazie all’intervento di Arturo Vitale degli Arti & Mestieri al sax soprano, ma la resa melodica e molto fruibile di questo esordio pervade gran parte delle tracce e momenti come Metà Morfosi, Delta Randevouz o Requiend, sono lì a dimostrarlo. Il progressive lo si riscontra soprattutto nell’ottima Sulla verticale e nella strumentale Un.Inverso, in cui appare anche la magica chitarra di Gigi Venegoni. Da segnalare infine gli interventi di Matteo Morelli al flauto nella buonissima Battito d’ali e di Mauro Pagani al violino nella gradevole Cielo Nero, importante contorno di un esordio piacevole e dal discreto bilanciamento tra le varie influenze che animano il progetto. (Luigi Cattaneo)

Arca (Official Video)

   

SIMONE SESSA, See the Zen key (2017)

 

Laureato al Conservatorio di Salerno, Simone Sessa, ha sviluppato un suo peculiare stile anche grazie all’importante esperienza con il Crossroads Improring, un collettivo dedito alla sperimentazione e all’improvvisazione, un radicalismo che è udibile anche in questo See the Zen key, edito da Lizard, etichetta sempre attenta nel cercare musicisti curiosi e fuori dai classici schemi. Simone tenta di superare gli steccati tradizionali, armato della sua chitarra elettrica e di effetti e loops connessi, componendo otto brani che profumano di soundtrack, motivo per cui non ci troviamo dinnanzi ad un lavoro di facile lettura. Il suo amore per il cinema si evince anche dalle dediche ai registi che più lo hanno formato e influenzato, raccontate tramite una sei corde che sviluppa il suo suono attraverso una serie di pedali efficacemente utilizzati dal campano e loops che si accavallano, si intrecciano, guardando alla drone music, all’ambient psichedelico e al minimalismo sperimentale. L’album oscilla tra momenti che accentuano l’utilizzo di suoni ripetuti, brevi variazioni armoniche e marcatamente prolissi (l’iniziale Mulholland empire o la straniante Escape from Michael Myers) ad altri più dinamici e strutturati (Brazil), sempre all’insegna di uno spirito avanguardistico poco incline a compromessi, un prendere o lasciare che rischia l’incomunicabilità e che destina See the Zen key  ad essere un prodotto fruibile solo per chi ha già dimestichezza con il genere proposto. (Luigi Cattaneo)