L'artista milanese Lorena Trapani, che da anni cura la rubrica Quadri Progressivi del blog, ha tributato il cantante americano utilizzando una tecnica mista fatta di carboncino e grafite.
Trovate tutte le opere di Lorena sul sito nella sezione Quadri.
Terzo lavoro in studio
per Barbara Rubin dopo Under the ice del
2010 e l’ep del 2017 Luna nuova.
Barbara non ha una band di supporto e si destreggia magnificamente tra voce,
violino, viola, piano, synth, chitarra, basso e batteria, facendosi aiutare nel
nuovo The shadows playground (registrato
quest’anno ai Neraluce Studio) dal solo Andrea Giolo, con cui condivide diverse
parti vocali lungo tutto l’album. Endless
hope apre il disco, voce e piano si sposano perfettamente, l’artista si
mette a nudo e colpisce per il livello di emotività che riesce a trasmettere,
un pathos che trova il suo culmine quando le note del violino punteggiano,
vibrano, caricando di malinconia un racconto a cui partecipa anche il già
citato Giolo. Seven suggerisce
immagini, una delle grandi doti della Rubin, che riesce a coinvolgere l’ascoltatore
con la sua grande sensibilità, cosa che avviene anche nella successiva e
meravigliosa Maddalena, tra
cantautorato colto e progressive. Dopo la breve Clouds è la volta di Sunrise
promenade, stupendo strumentale dove piano e archi si intersecano in
maniera davvero suggestiva, prima della toccante title track, uno dei momenti
più riusciti dell’intero lavoro. Il tris finale omaggia Heresy di Hais Timur, una sorta di suite di quasi venti minuti che
inizia con la malinconia strumentale e classicheggiante di Sleeping violin, per poi proseguire con La ballata degli angeli e Helen’s
word, tra fraseggi che rimandano al Concerto
grosso dei New Trolls e musica da camera contemporanea (complice anche l’intervento
vocale di Veronica Fasanelli). Per intensità e trasporto The shadows playground è uno dei dischi più interessanti e
raffinati che ho ascoltato negli ultimi mesi, un crossover di cantautorato,
classica e prog esteticamente elegante e pieno di grazia, in cui Barbara ha
espresso tutta sé stessa in piena liberta creativa e concettuale. Potete acquistare l'album al seguente indirizzo https://barbararubin.bandcamp.com/album/the-shadows-playground (Luigi
Cattaneo)
Seven (Video)
Il titolo dell'album mette
in evidenza il concetto di ordine e disordine, temi cari a diverse
scuole filosofiche e alle teorie di Wilhelm Reich. L’ordine e il
disordine sono profondamente legati, inoltre caratterizzano la composizione
dell’album: elementi diversissimi fra loro – “caotici” – che generano un
qualcosa di armonico, omogeneo, e viceversa. Così Daniele Sollo presenta Order and Disorder, esordio solista del
bassista napoletano ma corale, visti i tanti ospiti presenti lungo le sei
tracce che lo compongono, figlie delle sue esperienze con Hostsonaten,
VisionAir e Stefano Agnini. L’iniziale 11-IX-1683
ha una matrice hard prog a cui partecipano Marco Dogliotti (cantante che
abbiamo avuto modo di conoscere negli Hostsonaten), il bravissimo Domenico
Cataldo alla chitarra, Samuele Dotti dei Mogador alle tastiere e Maurizio Berti
alla batteria, una formazione notevole che apre davvero ottimamente il lavoro.
Nella strumentale Turn left Sollo ci
delizia con fraseggi ragguardevoli, sostenuto dalle tastiere e dalle sagge
programmazioni di Jason Rubenstein dei The Hypersonic Factor (ma ha alle spalle
anche una lunga carriera solista), mentre A
journey, con i suoi 11 minuti, mostra tutto il lato progressive del
progetto, complici anche le prove di Alessandro Corvaglia (voce di La Maschera
di Cera), Stefano Agnini (tastierista dei La Coscienza di Zeno) e Valerio
Lucantoni (batterista dei The Wormhole Experience). In my arms è il brano più curioso del disco, con Sollo che si muove
elegante sull’arrangiamento d’archi creato da Luca Scherani (La Coscienza di
Zeno, Hostsonaten, Periplo, Trama), oltre che sullo spoken di Fabio Zuffanti. Anytime anyplace è un altro momento
molto strutturato, ma Daniele è bravissimo nel costruire partiture complesse
eppure profondamente melodiche, aiutato dalle sapienti tastiere di Scherani e
dall’interpretazione sentita di Corvaglia. La conclusiva Pavane in F# Minor mostra tutto il talento di Sollo, che si
destreggia tra il suo basso e le tastiere, validissimo finale di un album
suggestivo e profondo. (Luigi Cattaneo)
Album Teaser
Break
down the gate è l’esordio assoluto dei Bullring, trio
formato da Luca Ferraresi alla batteria (ex membro dei Perfect View), Dave Pola
alla chitarra (già insieme nei Big Ones) e Remo Ferrari (voce e basso). Are you shining? è lo scoppiettante e
irriverente inizio alla Foo Fighters, You’re
just what you’re fighting for profuma di grande hard rock ed è impreziosita
dalla chitarra di Alex De Rosso, l’influenza dei Black Stone Cherry arriva
diretta in My darkest shadow, mentre
predilige un approccio atmosferico la successiva Violet’s song. Dirty paradise
unisce forza e pathos, Fear killing
anthem è uno dei brani più tirati ed heavy del lavoro, Jackhammer è invece più cupa, prima delle belle melodie di Amy and me. You cannot hurt me vibra di elettricità, I’ll snatch your tongue gode della presenza di Luca Princiotta
(chitarrista di Doro), freschissima e sfrontata I’m too old, che risente del passato Big Ones (cover band degli
Aereosmith ma con diversi brani propri incisi). La chiusura di Idea4 celebra Break down the gate come puro hard rock, di quello energico e
vigoroso, suonato con efficacia da un power trio influenzato dai Black Label
Society, dagli Alter Bridge, dagli Skid Row e vicino in alcuni momenti agli
americani Saliva, bravissimi nel creare brani immediati ma costruiti con cura,
aggressivi ma con un occhio costante all’aspetto melodico e comunicativo della
proposta. (Luigi Cattaneo)
You’re just what you’re fighting for (Video)
Nativi del Connecticut, i Perfect Era debuttano con questo ottimo Beneath the clouds we dream, uscito nel
2019 come autoproduzione e pieno di spunti che faranno la felicità degli
appassionati di progressive. Arnab Sengupta (voce), Todd Paskin (chitarra),
Roger Bush (tastiere), Don Beatrice (basso) e Brian Hopkins (batteria)
sfoderano un debutto davvero interessante, che si muove con consapevolezza tra
il prog più classico e quello a tinte heavy, tra sinfonismi dai toni vellutati
e partiture in odore di Dream Theater e Fates Warning, caratteristiche che
troviamo nell’iniziale No absence of
memory’s glow, partenza di rilievo dell’album e capace di unire fraseggi
catchy e sezioni strumentali di spessore. No
needs to explain mostra come il gruppo di Milford sia ben attento nel
bilanciare melodia e ricercatezza strutturale, ricordando proprio i grandissimi
Fates Warning. Clandestine worlds mette
in luce il grande lavoro d’insieme del quintetto, che per l’occasione si
riallaccia maggiormente al prog settantiano, mentre The skyline dream sembra guardare ai Rush di A farewell to Kings e Hemispheres.
La sentita Lost again, vicina ad
alcune cose dei Crimson Glory dell’indimenticato Midnight, e Tides rush in, ponte tra gli anni ’70 e
il progressive del 2000, chiudono un esordio solido, sognante come da
tradizione e ricco di creatività. Per acquistare in digitale o nel formato
fisico (che consiglio visto anche il bel booklet con tutti i testi) potete
contattare la band alla seguente pagina https://perfectera.bandcamp.com/album/beneath-the-clouds-we-dream , oltre che su tutti i social network (Luigi Cattaneo)
The absence of memory's glow (Video)
Quinto album in studio per i Barafoetida (ci sono anche due ep e una colonna sonora), trio formato da Luke Warner (voce, theremin, synth e programmazione), Triplax Vermifrux (programmazioni elettroniche) e Denny Z (tastiere, synth e programmazioni), che con 777 Obscura Somnia faranno la felicità di chi è ammaliato dalle sonorità oscure della darkwave, dall’impatto nero del gothic e dalle pulsioni della scena industrial. La forte vena elettronica trova la sua voce nell’iniziale 777, che incontra nelle note acustiche della chitarra di Marco Paltanin degli Eloa Vadaath il brillante contraltare, mentre God of nothing vede la formazione allargarsi con le presenze di Diego Banchero di Il Segno del Comando al basso e Fabio Pieretto alla chitarra (ex membro della band), con il quintetto che amalgama un sound potente e con qualche spunto hard, che ben si bilancia con la natura industrial del brano. In When my soul leaves the body è invece presente Luca Nagliati al basso, per una traccia vicina alla new wave ottantiana, prima della notevole dark ballad Blind, davvero piena di pathos e di Ride the sky, dove troviamo Antony Crepaldi degli Egofobica alla chitarra, che mi ha ricordato qualche episodio della discografia dei Death SS. Le screziature wave tornano prepotenti in Exodus, micidiale è invece il chorus di Obscura Somnia, con tanto di dichiarazione d’amore per i Sopor Aeternus, pezzo perfetto per i dancefloor dark. L’elettronica si impossessa della scena con Ruins and despair, validissima anche la seguente The left hand path, così come ben eseguita è la cover di Alice dei Sisters of Mercy, una delle band che ha maggiormente avuto peso nel progetto Barafoetida. La malinconia di The end chiude un lavoro di ottima fattura, caldamente consigliato a quanti amano certe oscure sonorità di matrice elettronica. (Luigi Cattaneo)
When my soul leaves the body (Official Video)
Non è un nome nuovo
Konrad, che i più attenti ricorderanno per le esperienze con Hype e Radiolondra
(questi ultimi lavorarono al disco d’esordio con Mauro Pagani e Rocco Tanica) e
per un debutto, Carenza di logica,
uscito nel 2013 con l’etichetta Music Force, collaborazione che viene
confermata dal nuovo Luce. L’album,
registrato insieme a Valerio Fuiano (ex chitarrista dei Radiolondra, qui
impegnato anche al banjo, all’ukulele, al sitar, all’armonica e al piano), Fabrizio
Iarussi (basso) e Mario Canfora (batteria), vede Konrad districarsi alla voce,
alla chitarra e all’ukulele, in un viaggio a base di folk, pop e cantautorato,
ora con brani cantati in italiano, ora in inglese. E sono proprio questi ultimi
quelli che convincono maggiormente, a partire da The man that I am, intrisa di gradevolissimo folk, che fa il paio
con la dolcezza di Your eyes e il pop
rock di No sun will be ever brighter than
you. Four? e Still on your road si imbevono di folk americano, ricordando qualche
episodio di Ryan Bingham, mentre Seattle è
una delicata e intensa ballata vicina agli ultimi lavori di Graziano Romani.
Un’ultima citazione la merita Sleep
tonight, breve ma ancora una volta decisamente riuscita. Buon ritorno per
Konrad, che mi ha appassionato soprattutto quando si avvicina ai folk singer
americani, ma nel complesso la prova è sicuramente positiva e molto piacevole.
(Luigi Cattaneo)
Your eyes (Video)
Già piacevolmente
colpito dall’esordio Il cielo rosso è
nostro del 2016, 100000 km di vene,
uscito l’anno seguente, ripercorreva la stessa strada contrappuntata di new
wave, alternative rock e post punk, confermando le tante qualità della band,
divenuta nel frattempo un quartetto (Marcello Meridda alla batteria, Marco
Falchi alla voce e alla chitarra, Francesco Pintore al basso e Davide Falchi
alla chitarra). La via maestra la traccia I’m
alive, tra grunge e new wave, oscura e malinconica è invece Invisibile, prima della maestosa carica
di Notti senza luna. L’idea di
trovarci dinnanzi ad un disco davvero importante viene consolidata dalla
seguente Superficie e dalla furia di Per non morire mai, che ricorda alcuni
momenti della discografia targata Il Teatro degli Orrori. La lieve Terraferma
e Oscurità sono invece in odore di
Marlene Kuntz, mentre I hold you in my
arms mostra come i sardi si muovano con disinvoltura anche quando si allontanano
dalla lingua madre. La chiusura è affidata a una versione acustica di I’m alive, buona conclusione di un
lavoro che mette di nuovo in risalto il talento del gruppo, che meriterebbe molto
di più, in quanto trovo la proposta sì aggressiva e potente ma anche
estremamente suggestiva e comunicativa, adattissima anche ad una platea più ampia
di quella che riconosce le qualità insite in questa band davvero molto
interessante. (Luigi Cattaneo)
Per non morire mai (Video)
C’è un sottofilone del
metal e del rock che racchiude al suo interno band con background parecchio
differenti, unico comune denominatore le tematiche legate al cristianesimo. Tra
i gruppi di spicco del Christian Metal impossibile non citare gli Stryper, ma
la lista è davvero lunga e piena di gruppi che nel corso dei decenni si sono
mossi con disinvoltura tra i più disparati stili. Fanno parte di questa
categoria gli S91, nati nel 2006 con l’intenzione di sviluppare liriche di
matrice cristiana su un tessuto musicale imbevuto di prog metal e sinfonico,
elementi che sono ben presenti anche nel nuovo Along the sacred path, uscito nel 2019 per Rockshots Records e
terzo disco dei toscani. Il concept, che racconta le gesta di personaggi
importanti per lo sviluppo del messaggio evangelico, parte subito in modo
potente con Constantine the great,
che presenta tratti epic e un’attitudine heavy dosata da melodie suggestive. L’uso
della doppia voce (la bravissima Maria Londino ma anche Francesco Romeggini e
Giacomo Mezzetti, rispettivamente chitarra e batteria della band) è
caratteristica peculiare del loro sound, che trova in Saint Patrick il momento da incorniciare, tra spunti aggressivi e
soluzioni tecniche in odore di power prog (con Labyrinth e Vision Divine sullo
sfondo). Toni soffusi per la seguente Pope
Gregory I, che si scontra con l’energia heavy di Olaf II Haraldsson (ottima la prova di Giacomo Manfredi al basso),
mentre le tastiere di Francesco Londino armonizzano le sontuose trame di Joan of Arc e Martin Luther. Egidio Casati dei Boarders presta la sua voce in Godfrey of Bouillon, ma è la doppietta
finale formata da John Williams e Dietrich Bonhoeffer a definire le coordinate
di un lavoro che mette insieme il progressive delle radici, voglia di esplorare
suoni più moderni e piccoli zampilli di thrash metal (Romeggini porta in dote
il suo vecchio percorso a nome Sacredfice, due dischi tra il 2013 e il 2014),
summa di un lavoro scritto e prodotto egregiamente. (Luigi Cattaneo)
Saint Patrick (Video)
Primo disco per Sabrina
Schiralli, che arriva a questo esordio dopo anni di studio (laureata presso il
Conservatorio di Bari in pianoforte e oboe) e dopo aver lavorato nell’orchestra
di Al Bano. In Innamorata la
Schiralli, insieme a Claudio Gala (batteria) e Gennaro Di Gennaro (chitarra),
ha elegantemente reinterpretato classici italiani e stranieri instillandoli di
pop, soul e jazz, tra cui spiccano l’immortale Mi sono innamorata di te di Luigi Tenco, Va bene, va bene così di Vasco Rossi, omaggiata in modo raffinato,
e Respiro di Franco Simone. Il disco
si chiude con un inedito, Torno qui,
molto pop, mondo a cui probabilmente Sabrina si sente legata, complice forse
anche il fatto di aver lavorato con Al Bano, decano di Sanremo e sulla scena
della musica leggera italiana da più di 50 anni. (Luigi Cattaneo)
Mi sono innamorata di te (Video)
Esordio per i Megàle,
duo formato da Stefania Megale (voce, sax, clarinetto, synth e sega musicale) e
Francesco Paolino (chitarra, drum machine e synth), che con Imperfezioni firmano un debutto
suggestivo e di grande creatività. Il folk acustico si imbeve di elettronica,
con i violini di Laura Comuzzi e Vienna Camerota che si sposano con le parti
elegantemente scolpite nel suono da Angelo Epifani e Rocco Marchi dei Mariposa,
che si occupano delle programmazioni insieme a Paolino. Le dinamiche giovano di
una variegata combinazione di sonorità, un calderone elettroacustico in cui non
mancano gli elementi ritmici profusi da Francesca Baccolini degli Hobocombo al
contrabbasso e dalla coppia di batteristi utilizzata, Simone Cavina (Junkfood
ma anche Iosonouncane) e Enzo Cimino (Mariposa, Saluti da Saturno), musicisti
di spessore che hanno donato ulteriore grazia al ricercato lavoro di scrittura
esercitato dal duo. Folk cantautorale, alternative, elettronica, tutto
meravigliosamente fuso in un percorso corale lodevole, particolare e raffinato,
una progressione di emozioni arcane e moderne che trovano il proprio apice
nella conclusiva gemma di Sull’acqua.
(Luigi Cattaneo)
Sull'acqua (Video)
Quinto album per i
Portfolio, band formata da Tiziano Bianchi (tromba, filicorno, basso, piano,
tastiere, voce e percussioni), Emilio Marconi (chitarra e voce), Bojan Fazlagic
(chitarra, tastiere, basso ed elettronica), Giacomo Parmeggiani (voce) e Marco Frattini
(batteria), che avevamo lasciato ben sei anni fa con la pubblicazione di Due. Quel disco, di cui parlammo ai
tempi della pubblicazione, si concludeva con la lunga Three Song about Lenin, strumentale tra soundtrack e post rock che
lasciava intravedere sviluppi sonori inediti, in parte confermati dall’avventura
solista di Bianchi, con quel Now and Then
uscito nel 2016 e che purtroppo non ha ancora avuto un seguito. La band
reggiana sceglie con il nuovo Stefi
Wonder un approccio pop, con una serie di brani diretti e brillanti,
curatissimi negli arrangiamenti e vicini alla forma canzone tout court. Non mancano
momenti più particolari come Fluidità e
Scuola Strumentale Reggiana, che si
alternano con pezzi dal taglio radiofonico (la title track, Io e Stan) e altre di malinconico
cantautorato (Agosto, Che gioia). Ritorno convincente sotto
tutti i punti di vista, ponte tra il mainstream e l’indie, variegato ma senza
perdere d’unità complessiva. Il tempo trascorso non ha scalfito la bontà del
progetto, che si conferma come una bella realtà dell’underground nostrano.
(Luigi Cattaneo)
Stefi Wonder (Official Video)
Torna un grande talento
serbo, il pianista Vasil Hadzimanov, che avevamo conosciuto per il precedente Alive, bellissimo affresco jazz rock
targato Moonjune Records. Il nuovo Lines
in sand, uscito nel 2019, conferma come l’attitudine chiaramente jazz
dell’autore si innervi con fluidità di rock, psichedelia ed elettronica, con la
band formata da Branko Trijic (chitarra), Miroslav Tovirac (basso), Bojan
Ivkovic (percussioni e voce) e Pedja Milutinovic (batteria), che appare
perfettamente calata nel contesto sonoro voluto dal leader. Una musica
volutamente ibrida, come da tradizione dell’etichetta di New York, che unisce
improvvisazione, scrittura, fraseggi jazzati, virtuosismi rock, il tutto con
Vasil maestro cerimoniere di un viaggio brillante e raffinato, dove il serbo
svolge il solito mastodontico lavoro. il risultato complessivo è dinamico per
tutta l’oretta di produzione, mostra una capacità di gestione delle idee messe
sul piatto non indifferente, oltre una perizia tecnica notevole che fa il paio
con una certa dose di inventiva. D’altronde le escursioni progressive del
quintetto le avevamo apprezzate già in passato, e qui trovano solo conferma
all’interno di un disco denso di contenuti, ambizioso e pieno di momenti
davvero validi come Mr. Moonjune e For Clara, in cui spicca il sax di
Rastko Obradovic, oltre che la voce di Dean Bowman, oppure Lost, dove invece abbiamo dietro il microfono Marta Hadzimanov. Per
ascoltare e acquistare gli album di Hadzimanov potete visitare il sito https://moonjune.com/ o la pagina https://vasilhadzimanov.bandcamp.com/album/lines-in-sand-hd (Luigi Cattaneo)
I Supernovos sono un
quartetto strumentale attivo da 2012 e formato da Alessandro Turrini (chitarra,
piano, vibrafono e shaker), Filippo Batisti (tastiere), Gianfranco
Prestifilippo (batteria) e Gaia Tassinari (basso). Nahtlos è il loro debutto, un crossover di post, psichedelica,
space e progressive, ispirato tanto ai This Will Destroy You, quanto ai God is
as Astronaut, malinconico ma vitale, ottimamente bilanciato tra parti atmosferiche
e altre più decise. Dopo l’iniziale Saturn
Doggo, che convince subito per una buona scrittura e robuste trame, è la
volta delle due variegate parti di Wundercliffs
e della duplice sezione di Ubermaschine,
che tradiscono l’amore anche per i Mogwai e gli Hammok. L’emozionale chiusura
di Bismuth conferma le doti di una
band che potrà sicuramente incuriosire i fan dei Mono e della corrente post
rock. (Luigi Cattaneo)
Ubermaschine part II (Video)
Secondo disco per gli
Innerload, quartetto formato da Marco Cortese (voce), Antonio Tavella
(chitarra), Alessio Novello (basso) e Daniele Musaragno (batteria), che con Again confermano la devozione totale per
l’hard & heavy. Uscito nel 2019, l’album è contraddistinto nuovamente da un
approccio classico alla materia, con lo spirito ottantiano che aleggia lungo i
quaranta minuti del gradevolissimo lavoro. Potenza e melodia si intersecano
come da tradizione e diventano le travi portanti di brani come Tell me why, Love ain't justice e I am the
evil, così come non è da meno la forza penetrante di 21st Century Rockers. I veneti macinano riff ad oltranza,
incastonandoli in pezzi che guardano ad Antrax, Judas Priest e Iron Maiden, con
una consapevolezza che è figlia anche dell’esperienza maturata nei live in
compagnia di Holy Martir, Crisalide e Vomitory. Gli Innerload firmano un
ritorno sicuramente interessante, soprattutto per i tanti fan di quel metal
primigenio, radicato nel tempo e che ancora oggi fa proseliti tra gli
appassionati. (Luigi Cattaneo)
Love ain't justice (Video)
Poeta, pittore, romanziere,
musicista. Gianni Venturi è tutto questo, sin da quando, giovanissimo, la
Fonoprint di Lucio Dalla pubblica un suo 45 giri e blu Sottile. Conosciuto soprattutto per essere il vocalist degli
Altare Thotemico (è di questi giorni il terzo Selfie Ergo Sum), Mantra
informatico esce a suo nome nel 2018 per MP & Records, fusione di musica
elettronica e versi declamati, a volte con rabbia, a volte con un eleganza
oscura, al passo coi tempi narrati da Gianni. L’album appare come la naturale
prosecuzione del progetto Moloch, lontano da leggi di mercato vuote e
opprimenti, con Venturi che si fa accompagnare in questo viaggio da Valerio
Venturi (basso), Daniele Bagnoli (programmatore), Debora Longini (elettronica),
Emiliano Vemizzi (sax) e Lucien Moreau (voce). Poesia figlia della beat
generation, fonodramma vicino al Il Babau e i Maledetti Cretini, la poetica
cupa del Pierpaolo Capovilla di Obtorto
Collo, tutto centrifugato con la personale visione di un cantore che sa
essere provocatorio e diretto. Nulla sono
nulla sarò, diviene l’urlo glaciale di Distonia,
l’accenno delicato alla consapevolezza del nonno fa fibrillare Isole, così come il pensiero di Dolore antico fa scivolare in ricordi
lontani, dove sopra sotto dentro e fuori
è tutto amore. Dimmi che mi ami diviene
sintesi dei pensieri sin qui espressi, La
visione di Leonardo! affresco di un paese crudele e selvaggio, la
conclusiva Mother ideale finale di un
lavoro intimo ma al contempo pieno di forza e istinto. (Luigi Cattaneo)
Isole (Video)
Crixstrix Suite è il primo lavoro targato Andrea Pellicone Van Gogh Project, un interessante concept dove il protagonista, un esploratore extraterrestre, è alla scoperta di nuovi pianeti da conoscere e visitare. Pellicone, impegnato alla chitarra, alla voce, alle tastiere e alla programmazione elettronica, delinea un percorso dove si incontrano prog, psichedelia e post rock (materia quest’ultima trattata da Andrea con gli Oceans on the Moon, con cui suona la batteria), un sunto delle sue passioni e dei suoi ascolti. Le varie anime sonore che costituiscono il progetto si manifestano nei passaggi dai tratti rock che si materializzano lungo la suite, che sfumano in partiture che accarezzano la psichedelia, elementi dove la voce di Andrea narra, racconta, in brevi passaggi, questo viaggio iniziatico di Crixstrix. Opera prima che ha al suo interno indubbiamente validi spunti, sintesi di un percorso professionale carico di esperienze, ma che presenta alcune incertezze strutturali, dettate da alcuni momenti poco fluidi e acerbi, dove il songwriting risulta altalenante, tra effettistica che non sempre si sposa felicemente con le intuizioni di Pellicone e il suono della batteria campionata che non mi ha convinto del tutto come scelta artistica. Il percorso solista di Andrea era qui agli inizi, seguito a ruota da Something you should know ,uscito nel 2020 e dedicato alla tragedia del Ponte Morandi. (Luigi Cattaneo).
Back home (Video)
Stati emozionali è il brano d'esordio di Solo, un esperimento sonoro che gioca con la spazializzazione in modo da creare paesaggi sonori 3D (solo ascoltando in cuffia).
Nuovo singolo per i Caravaggio, questa volta con la partecipazione di Antonio Zambrini, pianista jazz che qui troviamo in veste di flautista. Il link spotify per ascoltare il brano è il seguente
Nati nel 2005 con
l’esigenza di raccontare sensazioni ispirate alle acque del fiume Isonzo (zona
dove sono cresciuti i componenti della band), I Salici continuano ad esplorare
il folk, imbevendolo di strutture psichedeliche e strumenti antichi. Marco
Stafuzza (viella e mandola), Devid Strussiat (voce, chitarra, e-bow, sax e
flauto), Stefano Razza (batteria), Simone Paulin (tromba, corno e djambè),
Stefano Rusin (basso e contrabbasso) e Marco Fumis (chitarra e percussioni)
hanno una visione del tutto personale della materia, un modo di intendere che
avevamo già avuto modo di analizzare da queste pagine con Nowhere better then this place, Somewhere better than this (2010),
vicino al folk inglese psichedelico dei ’70, e Sowing light (2015), dove le trame si facevano più asciutte
mantenendo un alone di fascino intenso e onirico. Dopo ben cinque anni è ora la
volta di The eyes of the unconscious riot,
distribuito ancora da Lizard Records, conferma di un percorso maturo,
caratterizzato dal forte legame con gli elementi della natura, fonte di
ispirazione costante per i friulani. L’inizio dark folk di Lost in one, con ritmiche corpose e penetranti, è la malinconica
partenza di un disco che si sviluppa nelle brillanti intuizioni strumentali di Orange e nell’evocativa Elapsed steam. Awakened needs descrive con innata grazia il viaggio dell’acqua,
mentre il bosco, con i suoi segreti e la sua magia, diviene la linea guida di On the wood, brano strumentale che
profuma di soundtrack. Nos pifan
riesce a suonare tradizionale ma calata nel contesto attuale, dote che I Salici
coltivano da tempo e che ritroviamo anche nella successiva Seed of the noun, che mostra un songwriting ricco e intimo, prima
della vibrante Arguments for the wind e
della conclusiva And the animals are
watching us, delicato epitaffio dell’ennesimo prezioso episodio di una
discografia tutta da scoprire. (Luigi Cattaneo)
Awakened needs (Video)
Sabato 3
·Aldo Tagliapietra al Club Il Giardino di Lugagnano (VR)
Attivi da quasi
vent’anni, i Fungus, oggi Fungus Family, arrivano al quarto album con The key of the garden, edito da Black
Widow nel 2019. La formazione ligure è attualmente composta da Carlo Barreca
(basso e membro fondatore), Dorian Deminstrel (voce e chitarra acustica),
Alessio Caorsi (chitarra), Claudio Ferreri (organo, piano e tastiere) e Cajo (batteria), line up che in questo come back vanta
l’amichevole partecipazione di Nik Turner degli Hakwind, che dona ancora
maggior pathos all’elegante prog psichedelico dei genovesi. La conferma della
bontà del progetto arriva da brani come Holy
Picture o Suite No 5 (divisa in
due parti), momenti ricchi di idee fantasiose e suggestive, ma anche quando il
quintetto spinge sull’acceleratore il risultato non cambia, perché la band ha capacità di scrittura
consolidate nel tempo. D’altronde i Fungus Family hanno spesso contrapposto
parti tenui e classicheggianti ad altre più aggressive, frutto di un background
che pesca a piene mani dal passato del rock, un gusto vintage che trova modo di
emergere nelle rivisitazioni di See Emily
Play dei Pink Floyd e The weaver’s answer
dei Family, oltre che nell'ottima Eternal mind, dove Turner è presente al flauto. Non mancano i consueti riferimenti a Jefferson Airplane, Jethro
Tull e King Crimson, che ritroviamo tra le note dell’intensa Iq84 e della buonissima Becoming to be, con Turner stavolta protagonista
al sax. Chiusura della trilogia iniziata nel 2010 con Better than Jesus e proseguita nel 2013 con The face of evil, ed ennesimo lavoro convincente per una delle band
più interessanti dell’attuale panorama underground nostrano. (Luigi Cattaneo)
Full Album (Video)
Secondo album per i Sonum
X, trio formato da Matteo Sampietri (batteria e voce), Andrea Bombaci (chitarra
e voce) e Marco Zerbinati (basso), che con Purifire,
uscito nel 2019, firmano un lavoro intriso di stoner, grunge e psichedelia,
sulla scia dell’esordio del 2016. La miscela di suoni dei mantovani può
risultare canonica, ma ciò non toglie che Purifire
sia un disco solido e maturo, che guarda sì a Palm Spring ma anche alla Seattle
più aggressiva, senza dimenticare le luci psichedeliche che abbagliano la
potente title track o T. Ripper X,
dinamici esempi di come i lombardi trattino la materia. La cupa Shadow rider fa da anticamera alla parte
centrale dell’opera, un trittico meraviglioso formato da Manhattan, abbellita dal sax di Giacomo Bertazzoni, S.P.E.C.T.R.U.M., suggestivo episodio
ricco di pathos e Fading flowers, caratterizzata
dai synth di Pietro Frigerio (che troviamo anche nell’intro e nell’outro). Days of wolves è un altro episodio
oscuro, mentre Psycotemple chiude un
album di idee e sostanza. (Luigi Cattaneo)
Full Album
Nati in piena era new
prog, gli Algebra, dopo quasi 40 anni di attività, sono ancora presenti nel
panorama nostrano, segno che la passione che animava questi ragazzi nel 1983,
epoca del primo demo, è intatta e resiste allo scorrere delle mode e del tempo.
Alfieri di un certo stile negli anni ’90, epoca di Storia di un iceberg (1994), hanno portato avanti un discorso
coerente sino al 2009, quando JL
segnò il loro ritorno sulle scene, disco che vedeva i due fratelli Hackett come
ospiti speciali. Il nuovo Deconstructing
classics, uscito per Andromeda Relix nel 2019, pesca a piene mani brani
piuttosto noti del progressive mondiale, versioni apparse negli anni dentro
compilation tributo spesso firmate dalla Mellow Records. Composizioni
interpretate dalla band con spirito e gusto dalle varie formazioni che hanno
segnato la storia dei campani, tra cui spiccano Dusk dei Genesis, Funny ways dei
Gentle Giant e Song within a song dei
Camel, tutte presenti sul primo CD. Nel secondo invece, oltre ad altre
apprezzabili cover, come Strangers in
space dei Procol Harum, troviamo quattro pezzi scritti dai beneventani,
ossia l’interessante Straight, una
riuscita versione live di Russian Suite
e due brani che ci riportano ai primi anni di vita del gruppo, The clouds are always present e Il muro. Gradevole omaggio ai grandi del
prog, in attesa di un lavoro di inediti che ormai manca da tanti anni. (Luigi
Cattaneo)
Russian Suite (Video)
Secondo album per i
PhreeAngles, trio formato da Luca Calabrese (tromba ed elettronica), Gabriele
Orsi (chitarra ed effetti) e Cristiano Vailati (batteria e percussioni), musicisti
di grande esperienza che con Lo scuro
informe tornano a dare voce ad una realtà fatta di immagini rarefatte, in
cui inquietudine, illusione e desiderio di prospettive diverse vanno a formare
una crisalide di jazz elettronico, sapientemente contrappuntato da eleganti
partiture che profumano di avanguardia. Essendo tutti i brani frutto di una
registrazione in presa diretta, già l’iniziale Filo di fumo profuma di free, seppure Calabrese disegna con il suo
strumento scenari notturni inquieti, su cui Orsi punteggia note e Vailati
instilla piccole varianti ritmiche. Danza
delle fiamme, con i suoi 11 minuti di durata, mostra il carattere
sperimentale del progetto, mentre più snelle sono Voce nascosta e Gatto a
rotelle, dove comunque permane il carattere avant della proposta. Infinito flessibile è un’altra
istantanea della performance momentanea, lontana da schemi e rigidità, forma
assoluta di jazz in movimento, svincolato da qualunque paradigma. Rimane lo
scheletro di trame che si susseguono, che assumono la forma di Angolo bianco, dove il trio si diverte
ad inseguire il ritmo imposto da Vailati, o quello della conclusiva title track,
dove la strada diviene indefinita, simbolo di un crossover d’intenti, figlio di
un quadro complessivo astratto e metaforico. (Luigi Cattaneo)
Bel colpo della Burning
Minds, che ha da poco pubblicato Another
time and place, nuovo album dei Room Experience, band melodic rock di fama
internazionale formata da David Readman (voce dei Pink Cream 69), Gianluca
Firmo (tastiere), Davide Barbieri (tastiere), Steve De Biasi (chitarra), Simon
Dredo (basso) e Pierpaolo Monti (batteria). Dopo gli ottimi responsi del debutto,
questo come back conferma tutte le qualità già espresse nel recente passato, con
la scrittura di Firmo grande marchio di fabbrica (lo abbiamo conosciuto
recentemente con l’esordio solista Rehab),
tra parti A.O.R., elementi hard e chorus di grande presa. Wild heart e Disappointed sono
brani vivaci e coinvolgenti, The distance
è la ballata tipica del genere, mentre Shout
è una traccia vibrante e d’impatto. Stefano Zeni degli ottimi Wheels of
Fire (altra band che trovate recensita su queste pagine) presta la sua chitarra
su The miles that make a road, prima
di The night goes on, diretta e con
pochi fronzoli, e Your voice inside delicata
e suggestiva. I Room Experience confermano l’attitudine radiofonica del
progetto, gioia assoluta per gli amanti dell’A.O.R. e per chi cerca nel rock
melodie sognanti e un piglio leggero, easy listening, pur senza cadere nello
scontato o nell’ordinario. (Luigi Cattaneo)
Hear another song (Video)
